Histoire de la musique contemporaine

Nous allons parler ici de la période commençant après la seconde guerre mondiale jusqu'à nos jours. J'espère que je pourrai vous donner envie d'écouter, ou vous apprendre des choses ! J'ai essayé de faire une grande synthèse de tout en musique, pas seulement la musique qui vous semble terrible à écouter. On y verra la floraison de plusieurs styles de musique.

En espérant que cela vous plaise


L'histoire du XXe siècle est celle d'une période de crise d'incertitude et de profonds bouleversements politiques, scientifiques, technologiques et sociaux. La musique anticipa et refléta cette histoire.
On pense aux deux guerres mondiales, au développement rapide de la technologie et à la globalisation de l'économie et des télécommunications. Le totalitarisme et la 2e guerre mondiale provoquent une profonde cassure. Tout est à reconstruire.

"Rarement une génération de compositeurs n'a eu entre les mains les atouts de la nôtre, est née à un moment aussi favorable : les villes sont rasées, et on peut recommencer par le commencement, sans tenir compte des ruines et des démons restés debout d'une époque sans goût." Stockhausen

Les Etats-Unis se dessinent comme première grande puissance mondiale. Une des premières exportations artistiques américaines à destination de l'Europe est le jazz. Cette combinaison du langage harmonique occidental et de la complexité rythmique africaine influa sur la musique et les musiciens.

Alors que la technologie modifiait le visage de la société très rapidement, les compositeurs se lancèrent dans l'exploration de perspectives nouvelles à travers la musique électroacoustique et aléatoire.

I Darmstadt et l'avant-garde post-webernienne

Le radicalisme musical établi par les compositeurs au début du XXe siècle sert de point d'ancrage pour la nouvelle génération d'après-guerre 1945. Les compositeurs s'inspirent du sérialisme (le truc que vous n'aimez pas là, Schoenberg, Berg, Werben...) qui refusait toute logique, structure, et abstrayait des sons alors considérés comme des points isolés et instantanés, mélodie centrée sur le pointillisme, sérialisme étendu à tous les paramètres de composition.

(retour : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t9384-histoire-de-la-musique-moderne )

Darmstadt joue un rôle de premier plan dans l'évolution d'après guerre. En Allemagne, la culture et la musique renaissent bien plus vite qu'ailleurs. Effondrement culturel et matériel. Des personnalités musicales remontent des orchestres et des répertoires du XXe siècle aussitôt la guerre finie. Les compositeurs de Darmstadt avaient conscience de faire quelque chose d'historique, on parle de "police dodécaphonique" et du "Concile de Darmstadt".
L'institut Kranischstein de Darmstadt, fondé par Hindemith et Fortner en 1946 devient le centre d'étude de la nouvelle génération musicale et du courant post-webernien.


Olivier Messiaen (1908-1992)

Olivier Messiaen est un compositeur français né dans un milieu familial très cultivé. Il fut aussi écrivain. Il a écrit des poèmes qu'il a mis en musique et des préfaces très littéraires.
Il découvre la foi pendant les années de guerre.
biographie de Messiaen : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t635-olivier-messiaen-1908-1992?highlight=messiaen

Il appelle ses mouvements de musique des méditations.

Un groupe de compositeurs se forme en 1936 : Jeune France, qui comporte Messiaen, Jolivet, Lesur et Baudriet. Ce groupe voulait manifester contre la musique trop abstraite et le néoclassicisme. L'association Jeune France a été créé sous le Secrétariat général à la jeunesse au gouvernement de Vichy pour faire adhérer les jeunes à la révolution nationale.
Recherche d'une musique simple et expressive.

https://www.youtube.com/watch?v=UeSVu1zbF94 Quatuor pour la fin du temps de Messiaen

Le quatuor pour la fin du temps est en 8 mouvements (ou méditations), pour clarinette, violon, violoncelle et piano. Il y a une grande liberté dans la distribution de l'effectif (nombre d'instruments qui change), et dans l'écriture qui s'éloigne de la tradition tonale.

Il va composer toute une panoplie de modes (des sortes de gammes autres que nos modes mineurs ou majeurs, avec des sonorités particulières, reprenant toujours des mêmes notes). Il recherche des échelles (gamme) qu'on ne peut transposer plus de 4 fois.
Il s'intéresse beaucoup aussi aux timbres, aux rythmes et aux mélodies du monde entier. Il était très ouvert d'esprit.

https://www.youtube.com/watch?v=R9bG-7nUbig  Harawi de Messiaen

Le mot "Harawi" vient du Pérou, la musique comporte de nombreuses onomatopées, inspirées donc des chants traditionnels qui comportent toujours des onomatopées. C'est une musique vocale, accompagnée au piano. Sauf que, il s'est inspiré de tout cela en l'incorporant à son propre style :) Moi je trouve ca étrange le rendu.

On peut aussi penser à sa célèbre Turangalila symphonie qui est une oeuvre pour orchestre, et qui est un terme sanskrit. C'est une succession de mouvements contrastés par le tempo et l'expression. A chaque mouvement, un nouvel univers, un nouveau monde musical, mais avec toujours une thématique qui relie les différents mouvements.
Il utilise le piano et les ondes Martenot comme des percussions. En effet, si vous écoutez, le piano n'a aucune valeur mélodique, il sert bien de percussion. La mélodie est juste perçue comme un habillage du temps.
L'effectif instrumental est colossal : 109 musiciens !

https://www.youtube.com/watch?v=8PjyCpRKDrk

Et vous devez sûrement vous demandez pourquoi je parle de Messiaen juste après avoir parlé de Darmstadt ci dessus ? Et bien nous y voilà !

Il a écrit en 1949 Mode de valeurs et d'intensités à Darmstadt. A l'origine du sérialisme intégral, tentative de contrôle rationnel de l'ensemble des paramètres du son : jusqu'alors, on pensait surtout aux paramètres du tempo et de la hauteur des notes ! Maintenant, on va tout contrôler en même temps : les hauteurs de notes, les durées, les intensités, les nuances, les attaques de notes... Cette pièce traite tous les paramètres du son mais n'est PAS sérielle. C'est Boulez qui va faire la même chose mais pour un principe sériel. (attention à ne pas mettre Messiaen et Boulez dans le même panier donc, )

"J'offre des chants d'oiseaux à ceux qui vivent en ville, je créé des rythmes pour ceux qui ne connaissent que les marches militaires ou le jazz, et des couleurs pour ceux qui ne voient rien. "

Comme vous le savez sûrement aussi, il a suivi une formation d'ornithologue. Il s'est inspiré du chant des oiseaux, a noté sur des partitions leurs notes, leurs chants et a donc composé des musiques qui se réfèrent directement au chant des oiseaux. On trouve un descriptif de chaque oiseau dans la préface du Catalogue des oiseaux.

Enfin, Messiaen a écrit presque une centaine de pièces, de grandes dimensions. Les titres sont très concrets : soit sur la foi car il était très croyant, soit des éléments naturels. Il a écrit des traités sur son langage. Et il s'est beaucoup intéressé et inspiré des bruits de la nature.


Revenons-en à notre Darmstadt...

L'oeuvre ouverte :

Le concept d'oeuvre ouverte est spécifique aux compositeurs européens, qui sont inspirés par des recherches essentiellement littéraires, par des écrivains comme Joyce ou Mallarmé. Il se fait dans la continuité du sérialisme intégral, créé par Messiaen. Le contrôle de tous les paramètres de la partition a fini par priver l'interprète de toute liberté. Des compositeurs comme Luciano Berio ou Stockhausen ont proposé de laisser à l'interprète le choix du parcours de l'oeuvre qui repose sur des éléments permutables.

Vous comprenez ? L'oeuvre ouverte désigne donc une oeuvre mobile, à l'intérieur de laquelle plusieurs trajectoires sont possibles, où la structure n'est pas fixée d'avance.

Schoenberg semble presque "classique" par rapport à Stockhausen ou Boulez

Merci,  Pianoline, pour ce fil très intéressant.

Vas tu aborder les contemporains resté tonaux, comme par exemple Rodrigo ?

Merci les coupains !

Je vais essayer de traiter tous les sujets concernant l'époque contemporaine, mais je ne pourrai à l'évidence pas parler de tous les compositeurs. Je mettrai les liens de biographie quand les compositeurs seront déjà sur le forum :) Je parlerai des compositeurs qui ont des anecdotes ou dont l'écriture a influencé l'histoire de la musique ! J'essaierai de varier et de parler un peu de tout !

Très belle présentation, Pianoline.

Continuons notre histoire de l'époque contemporaine, avec cette fois les compositeurs américains, notamment la période après la 2nde guerre mondiale et jusqu'à nos jours.

II Compositeurs américains

Immigration et musiques aux USA

L'arrivée d'Edgar Varèse qui immigra aux Etats-Unis en 1915 modifia de façon décisive le statut de référent culturel des Etats-Unis, et il se fit le défenseur de la musique contemporaine. Il confonda la Guilde Internationale des compositeurs et fonda un an plus tard l'Association panaméricaine des compositeurs.
1929 : effondrement de la bourse.

La confluence de différents événements dans les années 1930 rendit l'Europe et les pays limitrophes de plus en plus inhospitaliers pour un grand nombre de populations. Adolf Hitler devint chancelier en 1933, l'année où vit le jour le premier camp de concentration et où l'Allemagne et le Japon se retirèrent de la Société des Nations. En 1935, le parti nazi mit en place l'Entartetekunst. (Entartetekunst : restriction de la liberté d'expression, les artistes étant considérés comme des dégénérés, des fous.)

Au lendemain de la Seconde guerre mondiale, la carte géopolitique montrait un nouveau visage. De nombreuses cités européennes avaient été détruites et la plupart se retrouvaient ruinées. Les Etats-Unis et l'URSS affirmèrent leur position dominante en jouant un rôle majeur dans la reconstruction de l'Europe.

Les Etats-Unis affirmèrent leur nouvelle identité de référent culturel naissante en se positionnant au premier plan de la scène artistique mondiale. Certains compositeurs avaient fait des Etats-Unis leur patrie, et d'autres n'ayant pas immigré, comme Boulez et Penderecki, y séjournèrent durant une grande partie de leur carrière.


Aaron Copland (1900-1990)

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t450-aaron-copland?highlight=copland

Copland incarna la musique américaine, mais fut à l'époque du maccarthysme soupçonné d'activités anti-américaines. Il est né à Brooklyn mais a été étudié la musique à Paris auprès de Nadia Boulanger.
Il apporta un soutien sans faille à la musique contemporaine américaine, publia un grand nombre d'articles et écrivit plusieurs ouvrages, dont What to listen for in music.
Le style éclectique de Copland le conduisit à diviser sa musique en deux : simple et savante. (l'éternel débat ). Ses premières oeuvres reflètent différentes influences, dont celles du jazz, de l'opéra italien, de la musique romantique pour piano et des compositeurs contemporains européens.
Au milieu des années 1920, il se tourna vers le blues et le jazz, afin de capter au mieux les ambiances de New York, mais l'accueil mitigé réservé à son Concerto pour piano en 1926 le poussa à s’écarter de cette voie.
Ses oeuvres de style savant se trouvent entre 1920 et 1930, dont Symphonic Ode, Variations pour piano et Statements.
Le grande dépression et les prémices de la 2e guerre mondiale le poussèrent à l'introspection. Il se tourna ensuite vers des oeuvres plus simples comme Billy the Kid et Appalachian Spring.
Ces dernières pièces comme Fanfare for the Common man, illustraient ce qui allait être qualifié de "son américain".

Quiet City d'Aaron Copland :
https://www.youtube.com/watch?v=s_MxTZlYL14

Appalachian Spring :
https://www.youtube.com/watch?v=t4E1JYP5Tgc
Ce ballet, chorégraphié par Martha Graham, était centré sur les tribulations d'un jeune couple de pionniers américains dans la Pennsylvanie du XIXe siècle. De la construction de leur ferme à l'exploration de leurs sentiments, l'intrigue du ballet définissait l'essence même du "son américain".


John Cage (1912-1992)

Les compositions, les conférences, les écrits, les films et les happenings de John Cage ont suscité bien des controverses, conduisant certains à le considérer comme l'un des compositeurs les plus influentes de la seconde moitié du XXe siècle, alors que d'autres ne voyaient en lui qu'un imposteur.

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t9911-john-milton-cage?highlight=john+cage

Au début de sa carrière, il explora les variations du dodécaphonisme en recourant à une série de 25 notes réparties sur deux octaves et divisa les séries en segments qu'il manipulait et répétait.
Vers le milieu des années 1930, Cage reporta son attention sur les hauteurs de son lors de ses études avec Schoënberg.
Le rejet de la luxuriance des violons qui caractérisait le musique romantique le poussa à explorer et étendre les possibilités sonores. Ses concerts de percussion suscitèrent beaucoup d'intérêt.

https://www.youtube.com/watch?v=sGMEPgXUoLw

Vers le milieu des années 1940, il s'intéressa à la philosophie, à la musique et l'esthétique orientale, ce qui le conduisit à une meilleure compréhension du silence, du rôle du compositeur et de la signification profonde de la musique.

https://www.youtube.com/watch?v=3f_HcETXrB8

Beaucoup considèrent sa composition Sonates et Interludes comme la composition pour piano préparé la plus aboutie. L'oeuvre faisait suite à sa rencontre avec Gita Sarabhai, qui initia Cage à la musique indienne. Cage exprima les huit émotions permanentes ou rasa de l'esthétique indienne. La pièce dure 70 minutes et est en 19 mouvements.


Léonard Bernstein (1918-1990)

La virtuosité de Bernstein permit aux musiciens américains de goûter à la reconnaissance et aux honneurs au sein de leur pays.
biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t4328-leonard-bernstein?highlight=bernstein

Bernstein était déjà très doué enfant et était doté d'un rare don d'improvisation. A 17 ans, il adopta un mode de vie libertin et gay. Il devint rapidement un grand chef d'orchestre.

Anecdote : A la suite d'un grand chef d'orchestre Bruno Walter qui tomba malade la veille d'un concert, Bernstein, qui avait passé la nuit à faire la fête, fut appelé très tôt juste avant le spectacle pour le remplacer. A la fin du spectacle, mêmes les musiciens se levèrent et applaudirent. L'un deux d'écrivit son émerveillement à voir "ce petit morveux" se métamorphoser en "musicien le plus extraordinaire que j'ai jamais rencontré".
Une étoile venait de naître, bientôt sollicitée dans tous les Etats-Unis, en tant que chef d'orchestre, pianiste et compositeur.

West Side story fut la plus grande comédie musicale jamais composée aux Etats-Unis.

A voir absolument si vous ne connaissez pas ! https://www.youtube.com/watch?v=L7BQRGXFLJs

A part quelques passages sympas, c'est une comédie assez ennuyeuse en fait

Je ne l'ai toujours pas vue, même la musique, je ne connais que des extraits, sans doute les plus connus.

Ba moi je ne trouve pas car je suis surtout inspirée par le caractère américain du milieu XXe siècle, j'aime bien son charme, son côté "retro" aujourd'hui. Il y a une sorte de charme nostalgique comme les années 1900 à Paris.

Puis les musiques connues en chant sont super sympa à chanter, c'est sûrement le fait de les chanter qui m'a vraiment appris à adorer cette comédie. Puis, le côté théâtre est amusant quand on le vit, quand on y assiste, sinon à regarder sur Youtube c'est vraiment nul, d'autant plus que la qualité est misérable

Franchement, si un jour vous avez l'occasion de la voir en vrai, c change tout ! :)

C'est le cas de beaucoup d'opéras en fait. En vrai ca rend souvent mieux ou alors ca confirme que c'est aussi ennuyeux que sur youtube

III Compositeurs anglais


La Grande-Bretagne au milieu du XXe siècle

La période d'après-guerre jusqu'au milieu des années 1970 fut marquée par un développement économique et social, une hausse de natalité et l'innovation technologique.
Le pays traversa la Seconde Guerre Mondiale mieux armé qu'en 1914-1918, assisté par un ingénieux système de défense aérienne (stations radar), les avions de la Royal Air Force, et les discours inspirés de son premier ministre Winston Churchill.

Au plus fort de la guerre, la Grande-Bretagne planifia l'avenir du pays sur le plan social : couverture sociale pour les travailleurs, système de santé publique, industries nationalisées...

Au retour des conservateurs au pouvoir, dans les années 1950, la Grande-Bretagne goûta au plein-emploi et à un mode de consommation à l'américaine.

Le programme de financement des arts, le CEMA, vit le jour en 1940. Chapeauté par Vaughan Williams, il soutenait les artistes sans emploi et organisait des tounrées régionales d'orchestre et de chanteurs. En 1945, le CEMA devint Arts Council of Great Britain, puis se porta acquéreur du Covent Garden Theater (actuellement Royal Opera House).



Benjamin Britten (1913-1976)

Britten et la Grande-Bretagne sont indissociables. Les critiques disaient de lui qu'il était le premier compositeur "naturel" né en Angleterre depuis Purcell, deux siècles plus tôt.
Il fut le premier à écrire des opéras comme Peter Grimes et Biddy Budd, objets de nombreuses créations internationales.

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t407-benjamin-britten?highlight=britten


Rebecca Clarke (1886-1979)

Une des plus importantes compositrices de l'entre-deux guerres au Royaume-Uni. Tombée dans l'oubli après la Seconde Guerre mondiale, elle reconnaît un gain d'intérêt pour son 90e anniversaire, une société Rebecca Clarke a été fondée en 2001.



je trouve son style très classique, rien d'innovant...

Et un contemporain : James Dillon, né en 1950

James Dillon est un compositeur écossais souvent considéré comme appartenant au mouvement New Complexity (si quelqu'un c'est de quoi il s'agit ???). Dillon  a étudié l'art, la linguistique, les mathématiques, le piano, l'acoustique, les rythmes indiens et la computer music (MAO).
Son répertoire comprend des musiques vocales, orchestrales, un concerto pur violon, un concerto pour piano, et beaucoup de musique de chambre.

https://www.youtube.com/watch?v=2J9F8OQmivs

IV Musique concrète

La radiodiffusion

La découverte de la radio est à la musique ce que fut à la Renaissance la découverte de l'imprimerie pour le livre, l'illustration et la partition musicale. Le compositeur rivalise avec l'ingénieur jusqu'à cumuler art et science : on voit apparaître l'ingénieur-architecte et le musicien-ingénieur. Radio, magnétophone, enregistreur, nouveaux modes de jeu sur les isntruments pour obtenir de nouvelles sonorités, créant de multiples interférences entre musique vocale et instrumentale.

C'est en 1922 que la radio en tant que média est née. Les émissions musicales proposent des diffusions en direct avec orchestre ou chanteur dans le studio font appel au bénévolat des artistes. Les premières radio sont Radio Tour Eiffel et Radiola.
A l'aube des années 30, 25 stations de radiodiffusion émettent en France. Les programmes sont plus populaires, distrayants, la musique légère remplace peu à peu la musique classique, les jeux radiophoniques connaissent un succès grandissant et les grands feuilletons passionnent la France. Les stations les plus populaires sont Radio Cité, Radio Luxembourg, Le Poste Parisien, Radio Toulouse et Radio Normandie.

Dès 1939, avec la déclaration de la guerre, la radio va devenir une redoutable arme de propagande. Radio Stuttgart est la principale radio de propagande nazie. A côté des radios officielles, la propagande est aussi diffusée par des radios clandestines.
Trois voix d'expression française vont se faire entendre durant toute la guerre :

_ Radio Paris propose des émissions très populaires, avec des chansonniers, des variétés, des concerts, mais aussi des émissions de propagande. Les informations de Radio Paris seront destinées à louanger les victoires allemandes sur le front, et les émissions vont diffuser plus ou moins subtilement, l'idéologie raciste anti-juive, et la glorification du nazisme.

_ La Radiodiffusion Nationale de Vichy va être ballotée entre les différentes tendances qui auront le pouvoir aux côtés du maréchal Pétain. Une tendance d'extrême droite va être remplacée par une équipe au service de la Nouvelle France avec la devise "Travail, Famille, Patrie".

_ Enfin, la France Libre, incarnée par le général de Gaulle.

La musique et la technologie furent étroitement liées dès le début du XXe siècle, marqué par l'émergence de l'industrie et du disque, des instruments mécaniques de la radiodiffusion.
Après la 2nde guerre mondiale apparurent les magnétophones, les synthétiseurs et les ordinateurs. A la fin du siècle, il était inconcevable d'envisager la musique sans l'apport de l'électronique.
Durant la 2nde guerre mondiale, le magnétophone fut développé à des fins militaires. Ensuite, ils se retrouvèrent dans les studios de radios où ils servaient à produire des effets sonores pour les pièces radiophoniques.



A Paris en 1950, l'écrivain et compositeur Pierre Schaeffer, qui travaillait au service de la Radiodiffusion française, eut l'idée d'une musique concrète : musique existant sur bande magnétique et basée sur la manipulation de sons enregistrés.

La musique concrète procède par enregistrement du son de la vie courante et résulte des manipulations sur magnétophones.  Elle naît en 1948 à Cologne et se déroule dans des studios de radio.

La musique électro-acoustique apparaît dans les années 50.





Edgar Varèse (1883-1965)

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t818-edgard-varese?highlight=var%E8se

Varèse fut souvent considéré comme un continuateur du futurisme, mais il ne partage pas leurs idées : alors que les futuristes prônaient la table rase des oeuvres anciennes et des musées, lui était chef d'orchestre et dirigeait des oeuvres classiques.
Il a milité toute sa vie pour une libération du son : le fait d'intégrer dans ses compositions des sonorités qui relevaient du bruit. L'électricité va servir à créer de nouveaux instruments. La collaboration entre le musicien et le scientifique va permettre de créer de nouveaux outils pour de nouveaux sons. Le projet de Varèse est d'inventer le synthétiseur. Les premiers apparaissent dans les années 1960. Varèse n'a pas pu bénéficier des outils dont il rêvait juste avant sa mort.

Il a composé pour des instruments traditionnels en pensant déjà aux outils électroniques. Il est aussi très connu pour l'emploi de la percussion : premier moyen d'inventer une musique bruiteuse ! Il revendique une part de science dans la musique.

Mondialiste avant l'heure et diffuseur d'une libération politique, il davantage fréquenté les peintres et poètes qui comprenaient sa musique comme Picasso, Max Jacob, Apollinaire et René Bertrand qui est 'linventeur de plusieurs instruments électriques dont le diaphone. Il rencontrera aussi Picabia, peintre du XXe siècle, lors de son exil aux Etats Unis, avec qui il se liera d'amitié.



Enfin, petite anecdote : pour parler de variations dans sa musique, il emploie le terme de "transmutation".

Première oeuvre où Varèse mélange bande magnétique acoustique et instruments : Désert.

https://www.youtube.com/watch?v=d39-92i1NDk

En 1933, il écrit la première composition de musique savante pour seule percussion : utilisation de sirènes, sonailles... Le piano est uniquement utilisé pour son côté percussif avec l'emploi de clusters et la résonance.
Ionisation :

https://www.youtube.com/watch?v=TStutMsLX2s

(suite)

Pierre Schaeffer (1910-1995)



Il est né à Nancy en 1910. biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t8272-pierre-schaeffer?highlight=schaeffer

Il est employé à la RDF (radio de France) à Paris comme ingénieur, fonde le studio d'essai en 1942, un laboratoire de l'art radiophonique où on expérimente un tas de diversité de langages.

Il réalise en 1944 La coquille à planètes, pièce radiophonique en 8 épisodes, sur une musique de Claude Arrieu : suite fantastique pour 1 voix et 12 monstres ( ). Cette pièce montre les différentes techniques radiophoniques.

Pierre Henri va s'associer avec Pierre Schaeffer dans le club d'essai en 1946. Pierre Schaeffer travaillait sur des obejts de la vie courante plutôt que sur des isntruments. Le travail et la manipulation doit faire perdre le lieu à la source : on ne doit plus reconnaître l'objet sur lequel il est enregistré.


Pierre Henri (1927-       )

(pas trouvé dans les biographies !)

Pierre Henri est un compositeur français de musique électroacoustique né en 1927 à Paris. Il est considéré comme l'un des pères de la musique électroacoustique. Il est connu du grand public pour le morceau Psyché Rock, je suis sûre que vous l'avez déjà entendu :

https://www.youtube.com/watch?v=AOqfWj0HqNE



Il entra au Conservatoire de Paris à l'âge de 10 ans pour y faire des études de percussions et d'écriture. Il y suivit l'enseignement de Nadia Boulanger. C'était un très bon pianiste. C'est en 1946 qu'il rencontre Pierre Schaeffer dans les studios de la Radiodiffusion française, au club d'essai. De cette rencontre va naître Symphonie pour un homme seul, en 1950, oeuvre fondatrice de la musique concrète.

Il devient chef du groupe de recherche des musiques concrètes (GRMC) en 1951.
En 1958, à la suite de désaccords personnels,a dministratifs et politiques, Pierre Henri quitta les studios de la RTF. Il crée un studio d'enregistrement indépendant en France, APSOME (applications de procédés sonores en musique électroacoustique). Puis il crée un second studio de recherche, SON/Ré. Ce studio obtient le soutien du ministère de la Culture et celui de la ville de Paris.

A la fin de l'année 1949, débute la collaboration entre Pierre Henri et le chorégraphe Maurice Béjart. C'est dans le cadre de cette collaboration que Pierre Henri réalisa son oeuvre la plus connue du grand public : Messe pour le temps présent, comprenant le tube Psyché Rock.

En 1975, il monte Futuristie, manifestation sonore et visuelle en hommage à Luigi Russolo et à son manifeste L'Art des bruits.

C'est pas mon truc mais je pense que cela intéressera pas mal de lecteurs qui viennent nous voir pour avoir des infos

Ba moi non plus, ce n'est pas trop mon genre de musique, à part Psyché Rock, tu connais ? si moi je connais, je pense que toi aussi !

Mais j'ai bien aimé l'histoire de la radio, je me suis notamment inspirée de ce site : http://100ansderadio.free.fr/

Pianoline a écrit:

à part Psyché Rock, tu connais ?

Non, je ne connais pas du tout

V Compositeurs russes

L'Etat soviétique

Le peuple russe connut une révolution et sortit d'une féroce guerre civile pour s'éveiller à l'aube d'un communisme idéal, avant de se rendre compte qu'il avait troqué une hégémonie contre une autre, encore plus brutale.

Lénine, propulsé à la tête du gouvernement bolchévique, rétablit Moscou comme capitale alors que Pétrograd était jugée trop dangereuse. Des artistes de toutes disciplines affluèrent à Moscou, impatients de célébrer les héros de la révolution, de concrétiser leur vision d'un communisme éclairé et de bâtir des édifices dignes de sa grandeur. Mais en 1918, Lénine censura la célébration de la Fête du travail, initié par les artistes qui couvrirent les édifices de Moscou et même les arbres du Kremlin de peintures colorées cubistes et futuristes.

En 1922, de nombreux artistes dont Chagall, Kandinski, Stravinski, Rachmaninov et Glazounov avaient fui le pays, déçus des contraintes imposées par les autorités.


Le violoniste bleu de Marc Chagall

A son arrivée au pouvoir en 1924, Staline mit en oeuvre de grandes réalisations en Russie : des milliers de kilomètres de rails et de routes virent le jour, les télécommunications et l'éducation bénéficièrent d'une refonte en profondeur et le secteur industriel connut un essor sans précédent.

L'expression de la moindre critique à l'égard de Staline ou du Parti pouvait conduire à la prison, à la persécution ou à une déportation dans un goulag voire à une exécution.

Le rôle héroïque joué par la Russie lors de la 2nde Guerre mondiale coûta la vie à à plus de 20 millions de Russes, soit des pertes plus importantes que celles de toutes les autres nations réunies.
Plutôt que d'améliorer les conditions de logement et l'accès à la nourriture et aux biens de première nécessité, Staline s'engagea dans une lutte idéologique entre capitalisme et communisme. Le luxe fut réservé à l'élite, à la course aux armements et à l'espace et à la promotion de l'idélologie communiste à travers le monde.


Aram Khatchatourian

L'Arménie est un petit pays bordé par la Turquie au Sud, l'Azerbaïdjan et l'Iran à l'est, la Géorgie et les steppes de Russie eu nord. Coquis, morcelé, réunifié et intégré à l'Empire Ottoman, à la Russie puis à l'Union soviétique, il accéda enfin à l'indépendance en 1991.

Chaque bouleversement participa à enrichir la culture de ce pays, dont la musique est réputée pour être l'une des plus variées, des plus anciennes, mais aussi des mieux préservées au monde grâce à un système de notation musicale unique, introduit au VIIe siècle. Chants et musique instrumentale présentaient un style distinct, Khatchatourian intégra ces sonorités, qui teintèrent sa musique d'un accent arménien très marqué.

Khatchatourian avait un goût certain pour la musique folklorique et la danse, jouait au sein de l'orchestre de son école et composait au piano, mais ce fut pour des études de biologie qu'il se rendit à Moscou en 1921. La vie culturelle de la capitale russe attira ses ambitions musicales.

En 1922, il prit des cours de violoncelle et de composition et se retrouva au conservatoire de Moscou. Il composa plusieurs pièces durant ses années d'études, dont certaines comme la Toccata pour piano, dénotaient l'influence de Ravel, alros que d'autres, comme Suite de danse, puisaient dans les airs folkloriques d'Arménie. Il tendait vers la synthèse des procédures symphoniques occidentales et de la musique folklorique de sa jeunesse. En 1936, son Concerto pour piano et orchestre démontra qu'il avait atteint son objectif.

Khatchatourian devint membre du parti communiste en 1943. Il fut élu à l'Union russe des compositeurs. Son ballet Gayaneh avait pour cadre une ferme collective. Il fut censuré en 1948 par Andrei Jdanov, le "tsar du monde des arts". Khatchatourian se réfugia alors dans l'écriture de musiques de film, sans néanmoins modifier son style, en restant fidèle à ses amis compositeurs jugés comme des criminels.

Après la mort de Staline, Khatchatourian se rendit souvent en Occident pour diriger et enregistrer ses oeuvres, rencontrant un vif succès et gagnant l'affection de nombreux musiciens d'orchestre.
Le catalogue de ses oeuvres recouvre symphonies, ballets, musiques de films, compositions pour le théâtre, musiques pour piano, musique de chambre et concertos.

Sa musique est dominée par la mélodie, marquée par le rythme et un contour arménien caractéristique. Ses oeuvres orchestrales sont animées par une orchestration inventive et colorée, avec des mouvements rapides, empreints d'une sauvage énergie, à l'origine du succès de la Danse du sabre.
Honoré de nombreuses récompenses nationales, Khatchatourian aurait probablement retiré plus de fierté à être celui qui composa l'hymne national de son pays nouvellement indépendant qu'à apparaître sur les billets de banque arméniens.

https://www.youtube.com/watch?v=LZLMKkEGFRo


(suite plus tard sur la Russie)

Mais on s'en fout! Ca sert à rien!

Snoopy a écrit:

Mais on s'en fout! Ca sert à rien!

oh, shocking que va dire Pianoline ?

Je pense que sans l'URSS, bien des des compositeurs des pays aujourd'hui indépendants - Ukraine et pays baltes compris - n'auraient pas émergés, ils ne seraient peut-être même pas devenus compositeurs. En effet, l'URSS était à l'affût de talents à découvrir et pour cela facilitait leurs études, et gratuitement par dessus le marché. Comme quoi tout n'était pas négatif du temps de l'URSS !
Evidemment, il y avait des contraintes, il fallait se conformer au dirigisme, au réalisme soviétique - Chostakovitch et Prokofiev, entre autres, en ont souffert - mais je pense qu'au total la musique de l'espace russe y a nettement gagné, quand on voit la quantité de compositeurs de talent qui se sont fait connaître aussi bien en Russie, Pays baltes, Bielorussie, Ukraine, Arménie, Géorgie, Azerbaidjan...

joachim a écrit:

En effet, l'URSS était à l'affût de talents à découvrir et pour cela facilitait leurs études, et gratuitement par dessus le marché. Comme quoi tout n'était pas négatif du temps de l'URSS !

C'est encore le cas aujourd'hui d'ailleurs.

Snoopy a dit : "Mais on s'en fout! Ca sert à rien! " -->

Mais non je rigole,

J'adore les compositeurs qui ont su faire vivre la culture de leur pays alors que c'était difficile vu le contexte, comme Khatchatourian. Ils ont vraiment participé à la culture et à l'évolution de leur pays, même à l'image entière du pays,

Dmitri Chostakovitch (1906-1975)

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t95-dmitri-chostakovitch-shostakovich-1906-1975?highlight=chostakovitch

Dmitri Chostakovitch fut l'un des compositeurs soviétiques de la "génération maudite" dont la vie artistique resta soumise aux lubies d'un régime staliniste, capable de réduire leur carrière à néant.

Sa symphonie 1, achevée à 19 ans, lui valut une renommée internationale en tant que premier symphoniste d'envergure, mais aussi de nombreuses commandes de musiques de film de propagande, de pièces de théâtre et de ballets.

Mais nombre de ses futures oeuvres furent condamnées, et Chostakovitch, terrifié, préféra s'excuser pour avoir une chance de poursuivre sa carrière de musicien.
Sa symphonie n°5, apparemment conformiste, le fit rentrer de nouveau en grâce. Mais le finale obéissait-il aux exigences du Parti en matière de musique ou fallait-il y voir une caricature ? Les critiques ont émis l'hypothèse d'un message et d'une prise de position insérée dans la musique quant à l'oppression du régime.

En 1948, le Parti établit une ligne idéologique rigide et les artistes dissidents étaient dénoncés pour formalisme et tendances antidémocratiques. Même le patriotisme suscité par sa Symphonie 7, dédiée à Léningrad et créée en temps de guerre; ne réussit pas à sauver Chostakovitch de la censure. Sa musique fut bannie, une nouvelle autocritique le sauva, et le compositeur renoua avec un travail humiliant, fait de musiques pour films de propagande et de cantates à la gloire de Staline. Son rôle de représentant soviétique lors de conférences internationales et l'obligation qui lui était faite de lire des discours préparés ajoutaient à son humiliation.

https://www.youtube.com/watch?v=HON-9Z1Greo

En dépit du climat détente qui s'installa après la mort de Staline en 1953, la liberté artistique demeurait limitée.
Au cours de ses 20 dernières années, affaibli par la maladie, Chostakovitch se laissa de plus en plus manipuler et enfermer dans des postes officiels et des honneurs qui lui conférèrent un statut de figure du régime.


La Russie à la fin du XXe siècle

En 1982, à la suite du décès du président Leonid Brejnev, la situation sociale et économique de l'Union soviétique frôlait la faillite. La décennie suivante fut marquée par un soulèvement d'une ampleur comparable à celle de la révolution d'octobre 1917 : démantèlement de l'Union soviétique, la démission du parti communiste et la fin de la guerre froide.
L'artisan de ce changement fut Mikhaïl Gorbatchev, qui avait occupé le poste de secrétaire général du parti communiste de 1985 à 1991, puis de président de l'Union soviétique de 1988 à 1991.

Au cours de son mandat, Gorbatchev tenta de persuader les factions conservatrices du Parti d'opérer des réformes. La politique innovante de Gorbatchev, associant perestroïka et glasnost, participa à la liberté d'expression, et se traduisit par la libération de milliers de prisonniers politiques et à la privatisation de secteurs économiques.
Sur le plan international, il entretint des relations cordiales avec des leaders occidentaux dont Ronald Reagan et Margaret Thatcher. Il obtint le prix Nobel de la paix en 1990.

Alors que Gorbatchev voulait réformer son pays dans le cadre du communisme, son successeur Boris Eltsine pensait que la Russie devait s'orienter vers la démocratie et l'économie du marché. Gorbatchev démissionna en 1991, avant la dissolution officielle de l'Union soviétique en 1992. Eltsine se retrouva à la tête de l'Etat. Il fut autant critiqué pour son comportement publique imprévisible que pour ses crimes, la corruption et les restrictions économiques endurées pendant son mandat. Il démissionna en 1999.


Sofia Goubaïdoulina (1931-     )

biographie : https://musiqueclassique.forumpro.fr/t1476-sofia-goubaidoulina?highlight=gouba%EFdoulina

Elle est l'une des musiciennes installées en Europe les plus innovantes et les plus respectées. Les restrictions qu'elle endura sous le régime soviétique ne parvinrent pas à réprimer ses convictions religieuses et le caractère mystique de ses oeuvres. Elle dut attendre les années 1980 pour accéder à la notoriété, quand elle put enfin aller en Europe.

Pour Goubaïdoulina, musique et spiritualité sont inséparables.

https://www.youtube.com/watch?v=nVu0-vIZDcI

Ce sujet était très intéressant, pianoline Tu en as terminé pour les contemporains ?

Merci Joachim, non je n'ai pas terminé. En fait, j'ai plus beaucoup le temps car j'ai des journées de travail très longues et je suis assez fatiguée, mais dès que j'aurais le temps, je le ferai.
C'est bien de m'y faire penser ! En plus, ça me fait plaisir de savoir que cela intéresse certains