Histoire de la musique moderne

Hello everybody !   

Comme à chaque semestre quasiment, je vous partage mes cours d'histoire de la musique que j'ai à la fac de musicologie. Cette année, on découvre la musique moderne, puis au second semestre ce sera la musique moderne et contemporaine à partir de la seconde moitié du XXe siècle.


Le principe fondamental consistant à donner plus de valeur à l'originalité qu'à la discipline fut l'élément moteur essentiel du XIXe siècle. Beaucoup de compositeurs furent le fait d'une originalité individuelle sans influence ultérieure perceptible. La disparition de la forme et l'étirement des frontières de la tonalité donnèrent naissance à un nouvel environnement.
Le compositeur du XXe siècle le plus directement influencé par Brahms fut Schoënberg, qui fut nommé responsable de la mort de la musique savante tonale. D'autre part, aucune symphonie ne semblait possible après les grandes œuvres de Malher telles que La symphonie des mille, et rien dans l'opéra ne pouvait faire suite à Parsifal de Wagner. Dans les œuvres comme Le sacre du printemps, Les Noces, et Pétrouchka, Igor Stravinsky ouvrit les portes d'un nouveau monde de composition moderne.

On parle donc de crise de la musique tonale à la charnière entre le XIXe et le XXe siècle. Le chromatisme est un premier facteur destructeur du système tonal. L'emploi de la couleur sonore triomphe au détriment de la fonction harmonique. De plus, la dimension rythmique a souvent été sous-estimée et délaissée pendant de nombreux siècles, le XXe siècle va avant tout valoriser le rythme. On peut penser à Stravinsky ou à Messiaen.


I L'école de Vienne

Au XIXe siècle, la région qui s'appelait Autriche regroupait la Pologne, l'Ukraine, La République Tchèque, la Slovaquie, la Serbie et le Monténégro actuels. Sous le règne de François-Joseph Ier, elle fut l'une des plus stables d'Europe du point de vue politique et économique, et un formidable environnement artistique. Les écrivains et les compositeurs affluaient à Vienne grâce à la bienveillance des Habsbourg. Wagner fut particulièrement populaire dans cette ville qu'il visita six fois au cours de sa vie. Brahms y vint également souvent. Hugo Wolf, Bruckner et Mahler y vécurent. Enfin, Johann Strauss donna à la valse de Vienne sa réputation internationale.

La présence de Schöenberg à Vienne fit de la ville l'épicentre du passage de l'exubérance musicale de la fin du romantisme à la rupture de la tonalité caractéristique des compositeurs de la Seconde Ecole de Vienne.

La seconde école de Vienne est le nom donné à un groupe de compositeurs qui furent les chefs de file intellectuels du monde musical au milieu du XXe siècle. Elle est appelée « seconde » école pour souligner l'importance de la première, qui inclut Mozart, Haydn, Beethoven et Schubert. Les compositeurs les plus marquants de la seconde école de Vienne furent Arnold Schöenberg et ses élèves Alban Berg et Anton Webern. Ce sont principalement ces compositeurs qui ont précipité l'évolution tonale vers l'atonalité.


SCHOENBERG (1874-1951)

Schöenberg naquit à Vienne de parents juifs. Alors que sa mère était professeur de piano, il apprit la composition seul et ne prit que quelque cours de contrepoint avec Alexander von Zemlinsky. Violoniste avant tout (il apprit le violon à 12 ans), Schönberg orchestra des opérettes pour gagner de l'argent et composa. Il composa rapidement des duos pour son professeur et lui, et était attiré par la musique de chambre. Même dans ses compositions pour orchestre, on sentira encore le goût pour le contrepoint.
Les premières œuvres de Schöenberg étaient caractéristiques de la fin des derniers romantiques avant d'explorer de nouvelles techniques de composition et changer brutalement de voie.
Son quatuor en ré en 1897 est très tonal  et reste dans la tradition de la fin du XIXe siècle.
Schöenberg écriera des articles pour parler de lui même et des influences de son temps. Il est influencé par le contrepoint de Bach, le caractère inégal des phrases musicales de Mozart, la manière de retenir un thème et de répéter un motif en le décalant rythmiquement chez Beethoven et enfin il apprit de Brahms à « mener chaque figure à ses ultimes conséquences ».

En 1899, il compose La Nuit transfigurée  op.4 pour sextuor à cordes, qui a été transcrit ensuite pour orchestre.



(Alors, vous en pensez quoi ? Moi je trouve cette oeuvre très belle ! )


Il écrit ensuite des recueils pour voix et piano qui tendent de plus en plus vers l'atonalité : op.6 et op.8 .

« Mon mérite est d'avoir écrit une musique nouvelle qui, issue de la tradition, est destinée à devenir une tradition. »

Il tourna vers un langage harmonique dépourvu de dominantes clairement définies.
En 1905, il écrit un Quatuor op.7, qui se révèle être un quatuor autobiographique parlant de ses amours . Il est en un seul mouvement, alors que la forme classique du quatuor est en 4 mouvements. En revanche, il n'est pas le premier à avoir cassé les formes classiques : Beethoven et Dvorak notamment l'avaient fait auparavant.

En 1906, il compose sa Symphonie de chambre op.9 qui inaugure le concept d’œuvre de chambre moderne : quinzaine d'instruments : vents et cordes. On peut y voir une réaction contre le gigantisme orchestral du romantisme. De plus, les pièces ne durent plus qu'une vingtaine de minutes au lieu d'une heure ou plus. L'intervalle de quarte est très usité ainsi que les gammes par ton.

Son deuxième quatuor en 1908 comporte 4 mouvements, dont les deux derniers sont atonales. Introduction de la voix chantée. Zemlinsky travaillait pour un un sextuor à cordes avec voix en 1904, qui a sans doute influencé Schöenberg.

Le livre des jardins suspendus op.15 créé en 1908 sur des poèmes de Stéphane George est une des premières œuvres atonales.

Dans ses Trois Pièces pour piano op.11, écrites en 1909, il abandonna complètement les relations et structures introduisant la notion d'émancipation de la dissonance. C'est son premier recueil de pièces pianistiques, l'écriture de piano représente un terrain d'expérimentations.
Atonalisme didactique : donner des repères d'écoute thématiques pour orienter l'auditeur.

En 1911, les Gurrelieder ne ressemblent plus du tout à ce que Schöenberg composait jusqu'alors. Les Gurrelieder sont une sorte de vaste oratorio ou une symphonie. A l'époque classique, la symphonie était dépourvue de tout portrait autobiographique et très objectif. A l'époque romantique, on y voit une grande dose de subjectivité qu'on retrouve dans les lieder. Schoënberg use beaucoup de moyens contrapuntiques et utilise le sprechgesang (parlé/chanté).






Schöenberg a rédigé un traité d'harmonie en 1911 qui parle du répertoire classique de tradition germanique. La fin de ce traité propose des voies pour l'avenir.

Les 5 pièces pour orchestres op.16 composées en 1912 est atonale. Le 3e pièce centrale Farben jouit d'une grande célébrité.
Klangfarbenmelodie : couleur sonore.


Pour Schöenberg, la mélodie serait une succession de timbres, de couleurs et non pas une succession de hauteurs de notes. (par exemple jouer une même note "do" avec différents instruments ou jouer dans l'extrême grave et aigu la même note) Travail d'illusion acoustique, notre oreille croit que l'accord change alors que ce sont juste les instruments qui changent.

Ses op.17 Erwartung et 18 die Glückliche hand sont des œuvres lyriques pour la scène : ce sont les premières réalisations de Schöenberg pour l'art lyrique, des monodrames. Pièces très courtes, œuvres novatrices dans la musique de scène. Erwartung op.17 est un monodrame en 4 scènes très déséquilibré : la 4e scène occupe la moitié de l'oeuvre.

Schöenberg était lié d'amitié avec le peintre Gerstl et était lui même peintre qui a été remarqué par Kandinsky et Kokochka. Schöenberg correspondra beaucoup avec Kandinky pour parler d'art lyrique. Quant Schöenberg rompt avec l'atonalité, il peint beaucoup pour retrouver un refuge dans la peinture. Il subit une crise psychologique et une époque très douloureuse. C'est aussi l'époque de la psychanalyse.
Beaucoup de gens pensent que Erwartung est l'oeuvre apothéose la plus avancée de Schöenberg. Cette pièce raconte une femme qui recherche son mari dans la forêt et le retrouve mort. Pas d'action, surtout psychologique et psychanalytique. Angoisse, découragement, folie.



Die Glückliche op.18 est une sorte d’autoportrait musical et la pièce la plus avancée scéniquement avec des décors, costumes et éclairages en abondance. Le projection des couleurs est très minutieuse. Il s'agit d'une sorte de théâtre musical. Très poussé aussi dans le traitement de la voix.

Le Pierrot lunaire en 1912 est une succession de mélodrames (texte annoncé sur un fond musical). 3 parties de 7 mélodrames. C'est une commande d'une chanteuse diseuse Albertine Zehme. Sprechgesang : rendre texte intelligible
Albert Giraud : poète macabre, morbide
En 1913, Stravinsky composera Trois poèmes de la lyrique japonaise, qui est un clone de Pierrot lunaire dans la formation : voix et un peu d'instruments. Aussi en 1954, Boulez écrira Le marteau sans maître, qui revendique un lien avec le Pierrot lunaire.



De 1916 à 1920, il se consacra à créer un système de composition radicalement nouveau et clairement articulé appelé méthode dodécaphonique, où chaque note de la gamme chromatique est placée dans une série et aucune note de la série ne doit être répétée tant que les 12 notes n'ont pas été utilisées.
Die Reihencomposition → sérialisme
A partir d'une série, on peut faire un renversement, un rétrograde, un rétrograde en miroir. 48 formes sérielles originales.

La Suite pour piano en 1925 est généralement considérée comme la première œuvre dodécaphonique.

Après avoir servi dans l'armée pendant la guerre, Schöenberg accepta un poste de professeur à l'Académie prussienne des arts de Berlin. Puis, lorsque les nazis accédèrent au pouvoir, sa musique fut qualifiée de « dégénérée » et il fut renvoyé et forcé à l'exil. Il s'enfuit à Paris puis émigra aux USA d'abord à Boston puis à Los Angeles, où il enseigna à l'université de Californie. Parmi ses élèves figuraient John Cage, Lou Harrison et le compositeur de musiques de films Leonard Rosenman.

L'influence de Schöenberg
Sa position en tant qu'inventeur de la méthode dodécaphonique et ses écrits sur la technique de composition firent de lui un chef de file de la musique contemporaine. Des centaines de compositeurs en Europe et aux USA ont appris à composer en utilisant le dodécaphonisme. Même les réfractaires comme Stravinsky et Copland utiliseraient les techniques de Schönberg dans leurs œuvres.

Les progrès du XXe siècle

A cette époque, cultiver le pluralisme stylistique est de mise. En effet, aucune autre époque n’a à ce point favorisé la connaissance des musiques des autres peuples (écoles nationales slaves,   scandinaves, de Grande-Bretagne et d’Espagne) et le développement de l’enregistrement musical.

La science, l'art et la technologie firent d'énormes progrès au début du XXe siècle. De nouvelles théories physiques comme la théorie de la relativité et le développement de la bombe atomique furent présentées, les découvertes médicales progressèrent rapidement et les armes de guerre atteignirent un niveau de perfectionnement encore jamais connu.
Les peintres et les musiciens rompaient de plus en plus avec la tradition et adoptaient de nouveaux modes d'expression artistique.
A Paris en 1920 fut créé le groupe de compositeurs français appelé « les Six », il comprenait Auric, Durey, Honegger, Milhaud, Poulenc et Tailleferre.

  --> Groupe des Six avec Jean Cocteau au piano

Un des événements majeurs du XXe siècle fut la grande dépression de 1929, qui commença aux USA avec l'effondrement de la bourse et engendra des bouleversements politiques un peu partout. Des fanatiques radicaux profitèrent de cette instabilité politique et économique pour prendre le pouvoir, comme Adolf Hitler.
Le jazz, exporté des USA vers l'Europe, eut une influence notable dans les années 1920-1930. A l'inverse, les USA profitèrent fortement de l'arrivée des juifs européens obligés de fuir le régime nazi.


Serge Diaghilev (1872-1929) fut une figure influente dans la vie artistique de la Russie à l'aube du XXe siècle. Il soutint la musique moderne, organisant de grandes expositions, des concerts, des opéras et des ballets. Il amena l'art d'Europe occidentale en Russie, et l'art russe en Occident. Sa troupe incluait notamment Anna Pavlova et Nijinsky. Les ballets russes comptaient les meilleurs danseurs et décorateurs. Stravinski et sa nouvelle musique devinrent un élément essentiel du succès des ballets russes, cette collaboration dura près de 20 ans. Les ballets russes disparurent lorsque Diaghilev mourut.




Frontières fluctuantes : Autriche/Allemagne

L’Allemagne ne vit le jour qu'en 1871, lorsque des États germanophones se regroupèrent autour de la Prusse, après l'exclusion de l'Empire autrichien de la Confédération de l'Allemagne du Nord. Toutefois, une forte interaction culturelle subsista entre Vienne et Berlin. Les artistes exposaient et les musiciens se produisaient dans les deux villes. Par exemple, Wozzeck de Berg fut composé à Vienne et créé à Berlin.

Les avancées que connut le XIXe siècle dans les domaines de la technologie, de l'éducation et de la diffusion des idées donnèrent naissance à l'époque moderne. L’électricité, le train, le téléphone, la mécanisation du travail, le cinématographe, la radioactivité ou encore l'aspirine furent découverts ou inventés notamment en Allemagne,  au XIXe siècle. A Berlin et Vienne, l'effervescence intellectuelle bousculait les idées convenues dans tous les domaines. Les tableaux non réalistes, souvent érotiques et satiriques de Klimt, Kandinsky, Liebermann et Kokoschka, ainsi que les écrits socialement radicaux firent se dresser l'opposition conservatrice des deux capitales. En musique, la tradition austro-allemande qui dominait la musique occidentale depuis plus d'un siècle s'effondrait, épuisée par l'harmonie chromatique complexe de Mahler, Wagner et Strauss.
Schöenberg et ses élèves Berg et Webern réagirent en abandonnant la tonalité traditionnelle. Leur musique atonale dissonante suscita des réactions extrêmes. La version développée de la tonalité de Hindemith, bien que parfois dissonante, rencontra moins d'opposition à Berlin. Pour en savoir plus sur Hindemith :
https://musiqueclassique.forumpro.fr/t545-paul-hindemith?highlight=hindemith



Orff revint à l'hyper simplicité, ses rythmes primitifs et ses phrases mélodiques courtes n'entamèrent pas la concentration du public, et sa créativité comme son style furent assez inoffensifs pour échapper à la censure d'Adolf Hitler lorsqu'il arriva au pouvoir en 1933. Pour en savoir plus sur Orff :
https://musiqueclassique.forumpro.fr/t153-carl-orff?highlight=orff

Pendant la 1ere Guerre Mondiale, dans laquelle l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie unirent leurs forces, de nombreux artistes furent tenus à l'écart du front et survécurent dans un monde qui vit l'Allemagne, l'Autriche et la Hongrie devenir des républiques démocratiques séparées. Juste avant le nazisme, des spectacles de cabaret satiriques inspirés de la politique eurent un immense succès dans les bars et clubs de Berlin, et la créativité expressionniste connut un essor extraordinaire dans l'architecture, la peinture,le cinéma, la photographie, la littérature et la musique. La liberté d'expression ne faisait pas partie du programme d'Hitler. L'expressionnisme est la volonté de remettre en question la croyance conformiste. Dans les arts  et la littérature, cela signifiait que n'importe quel sujet était acceptable et que la réaction émotionnelle de l'artiste, la vérité psychologique, plus importantes que la réalité, étaient véhiculées par la distorsion stylisée. Les romans de Kafka et de Joyce, les nus érotiques de Klimt et Schiele, les films de Fritz Lang en sont quelques exemples.

--> Tree of life de Klimt

On peut voir de l'expressionnisme dans la musique de Hindemith, Schöenberg, Webern et Berg. L'expressionnisme implique l'expression de soi au mépris des conventions.
A la fin de cette ère de créativité stupéfiante, l'élite de la culture germanophone fuit, principalement en Amérique, ou resta pour finir assassinée, perdre son travail ou se compromettre.


Alban Berg (1885-1935)

Né dans une famille viennoise influente, Berg fut un élève nonchalant et inattentif : la littérature, le piano et les filles étaient ses principaux centres d'intérêt. Il admire Wagner pour son emploi de l'orchestre et l'harmonie. Il considérera aussi Mahler comme un oncle.

Il commença par composer des lieds en 1901.Il commença vraiment lors de sa rencontre avec Schöenberg en 1904.
Au début du siècle, Vienne était inondée de génies novateurs comme Klimt, Kandinsky, Freud, Kokoschka, Strauss, Zemlinsky, Schöenberg et Mahler. Berg se divertissait dans le monde culturel de Vienne en assistant à de nombreuses pièces, expositions d'art, concerts et opéras.
Il continua à écrire des lieds pendant les trois années d'études avec Schöenberg qui reflètent déjà une sensibilité sonore à l'atonalité.
En 1907, Schöenberg défie Berg de composer une sonate qui ne se réfère pas au langage tonal, alors qu'une sonate est tirée avant tout de ce système tonal. Berg compose donc sa sonate pour piano 1. Forme en arche très présente, du romantique très expressif sur le plan harmonique. Des trois compositeurs de l'école de Vienne, Berg est le plus lyrique et romantique.

En 1910, il crée une association de littérature et de musique : « Verein für Kunst und Kultur », « Société pour l'Art et la culture ».  
C'est aussi en 1910 qu'il compose son Quatuor à cordes 1, il se sépare des lieders avec juste piano et  voix et adopte un atonalisme franc.

Berg gagna sa vie en travaillant dans l'édition, en enseignant et en travaillant avec Schöenberg. Avant d'être mobilisé en 1915, il travaillait déjà sur un opéra Wozzeck, d'après une pièce de Büchner qu'il avait vu en 1914.



Büchner était un écrivain engagé qui défend la cause prolétaire et qui était aussi médecin et s'intéressait au psychisme. A cause de la guerre et de la complexité de la partition, l'opéra nu fut achevé qu'en 1922. Une succession de 27 pièces détachées sans trajectoire narrative. Grande modernité cinématographique : juxtaposition des scènes, rythme extrêmement novateur, lien thématique avec Lulu sur l'aliénation de la femme.

Berg écrit de nombreux articles, comme par exemple un article sur Pélléas et Mélisande de Schoënberg. Il se fait connaître par ses écrits et va diriger un journal Musik blätter. Mais il va tomber malade et doit renoncer à cette responsabilité.

Très guidé et influencé par Schöenberg, Berg adopta le système sériel. Berg codait souvent des messages dans sa musique. Ses annotations de la partition Suite lyrique témoignent d'une de ses relations adultères codées dans la musique grâce aux lettres désignant des notes ou au symbolisme numéro-logique. Ce quatuor à cordes Suite lyrique montre aussi sa passion pour la littérature et la poésie traduite par l'insertion d'un poème de Baudelaire De Profundis utilisé dans le dernier mouvement. Il est en 6 mouvements dont la majorité est sérielle. Le nom de Schöenberg, Berg et Webern sont aussi codés dans son Concerto de chambre où le numéro 3 joue plusieurs rôles importants.

Concerto à la mémoire d'un ange


L'interdiction de sa musique décidée par les nazis réduisit les revenus de Berg, ce qui l'obligea à arrêter l'orchestration de son second opéra Lulu, pour composer son Concerto pour violon commandé par un violoniste américain Louis Krasner. Ce concerto est aussi appelé Concerto à la mémoire d'un ange, suite au décès d'une petite fille.
Il mourut laissant Lulu inachevé.



Lulu est un opéra en 3 actes inspiré de La boîte de Pandore et de L'Esprit de la terre de Wedekind. L'opéra décrit l'ascension sociale d'une femme jusqu'au meurtre de son amant puis sa chute pour devenir prostituée et mourir. Les personnages sont symétriques, la forme musicale est en arche, basée sur des séries dodécaphoniques. La structure est en miroir : l'ascension sociale de Lulu dans la première moitié se réfléchit dans sa déchéance finale. L'interlude est le moment central où tout bascule. Le rôle de Lulu est toujours chanté dans un style apparenté au bel canto, on y voit de temps en temps du parlé chanté. Berg s'inspire aussi d'un fait divers qui fait beaucoup de bruit dans toute l'Europe : Jack l’éventreur, meurtrier sexuel en série. Jack sera l'un des personnages de Lulu. Cet opéra sera quand même achevé en 1979 par le compositeur Friedrich Cerha. Les philosophes et les médecins tels que Freud qui étudient la psychanalyse et les perversités sexuelles ont sans doute joué un rôle majeur sur des compositeurs tels que Berg.

« La meilleure musique naît toujours de l'extase de la logique » de Berg