John Pickard, né 1963

John Pickard (né le 11 septembre 1963) est un compositeur contemporain de musique classique anglais.

Pickard est né à Burnley, dans le Lancashire. Il a étudié la musique et la composition à l'Université du Pays de Galles, sous la direction du compositeur gallois William Mathias, puis dans les Pays-Bas avec Louis Andriessen. Il obtient son doctorat de composition en 1989. Depuis 1993, il enseigne à l' Université de Bristol, où il est directeur du département de musique et professeur de composition et de musicologie appliquée. John Pickard est également chef d'orchestre de l'orchestre et des chœurs de l'Université de Bristol.

Pickard a composé plusieurs œuvres favorablement reçues de la critique et du public, dont quatre symphonies et un certain nombre d'œuvres symphoniques, y compris son œuvre peut-être la plus célèbre, Le Vol d'Icare que le San Francisco Chronicle décrit comme "un monument translucide et douloureusement beau sur la chute d'Icare..." en 2006.

Son écriture orchestrale est très appréciée : en mars 2008, le Times fait remarquer que "sa maîtrise orchestrale est totale" et, le mois suivant, The Guardian décrit sa musique comme "efficace et virtuose, dans un style qui ne semble jamais consciemment conservateur ou trop obstinément attaché à suivre la voie du milieu".

Pickard a composé un concerto pour piano, un concerto pour trombone enregistré par Christian Lindberg, et cinq quatuors à cordes. La critique du Strad décrit le quatrième quatuor comme étant "l'un des meilleurs morceaux de musique de chambre britannique à être entendues depuis des années".

John Pickard est également le rédacteur en chef de l'édition des œuvres complètes d'Edward Elgar.


Œuvres

Orchestre

Symphonie n° 1 (1984)
Symphonie n° 2 (1989)
Sea-Change (1989)
The Flight of Icarus (1990)
Channel Firing (1992–93)
Partita pour orchestre à cordes (1993)
Symphonie n° 3 (1997)
Tenebrae (2008–9) inspiré par les Tenebrae Responsoria de Carlo Gesualdo
Sixteen Sunrises (2013)
Symphonie n° 5 (2014)


Orchestre à vents

Wildfire (1991)
Gaia Symphony : Symphonie n° 4 (1991–2003)
Men of Stone, suite symphonique pour vents (1995)
Invocation (2001)
Tsunami (2002)
Aurora (2003)
Eden (2005)


Concertos

Serenata Concertata pour flûte et ensemble de chambre (1984)
The Spindle of Necessity, concerto pour trombone, cordes et timbales (1997)
Concerto pour piano (2000).
Concertante Variations (Presteigne Concerto), pour quintette à vent, timbales et cordes (2011)


Musique de chambre

Sun, pour orgue (1983)
Nocturne in black and gold, pour flûte, clarinette, violon, violoncelle et piano (1983)
A Madrigal for Thomas Morley, pour 2 trompettes, cor et trombone (1988)
Trio pour violon, violoncelle et piano (1990)
Inscape, pour guitare (1990)
Quatuor à cordes n°1 (1991)
The Phagotus of Afranio, pour basson et piano (1992)
Quatuor à cordes n°2 (1993)
Quatuor à cordes n°3 (1994)
Sonate pour violoncelle et piano (1995)
Insomnia, pour violon et piano (1997)
Chaconne pour alto solo (1998)
Quatuor à cordes n°4 (1998)
Valedictions, pour violoncelle et piano (2000)
Black Castles, pour cuivres (2002)
Sonate pour violon et piano (2004)
Orion, pour trompette et orgue (Nebula, Alnitak, Detelgeuse) (2004)
Tesserae, pour orgue (2009)
Quatuor à cordes n°5 (2012)


Piano

Sonate (1987)
Paraphrase sur "The Duke of Marlborough" (1987)
A Starlit Dome (Un dôme étoilé), nocturne astronomique (1995)


Chant

Ozymandias, pour choeur mixte (1983)
Three Latins Motets (1987)
The Phoenix, pour soprano et piano (1992)
Ave Maris Stella, pour choeur mixte (1992)
A Better Time than Ours, carol pour choeur mixte (1998)
The Borders of Sleep (Les frontières du sommeil), cycle pour baryton et piano (2001)
Songs of Rain and Sea, pour choeur mixte et piano à 4 mains (2007)
Agamemnon's Tomb (Le tombeau d'Agamemnon) Un Requiem pour trois chanteurs solistes, chœur et orchestre (2007–8)
The Burning of the Leaves, pour baryton et piano (2010)
Binyon Songs, pour baryton et piano (2012)

joachim a écrit:

Le Vol d'Icare que le San Francisco Chronicle décrit comme "un monument translucide et douloureusement beau sur la chute d'Icare..."

Malheusement, je ne l'ai pas trouvé sur youtube, pour Icare

Voici Eden, pour instruments à vents (j'aime pas trop, c'est dissonant...)

https://www.youtube.com/watch?v=-Z6H8jpd1fU&spfreload=10


et Tenebrae (c'est mieux mais quand même pas terrible)

https://www.youtube.com/watch?v=7JGpmQjMoe4&spfreload=10

Voici le CD de la Chute (ou Vol) d'Icare, je me le suis téléchargé spécialement en pensant à "notre" Icare

Mais bon, c'est du trop moderne pour moi, ça frôle la cacophonie par moments...

Récit explicatif de John Pickard

J'appartiens à la première génération à qui l'idée d'hommes marchant sur la lune était une réalité et non un fantasme, et depuis mon enfance, j'ai été fasciné par le vol spatial habité.

Je me souviens de l'excitation de regarder les images télévisées de l'alunissage d'Apollo 11 quand j'avais cinq ans. Tout aussi vifs sont les souvenirs de la mission Apollo 13 et la tragédie encore plus grande du Soyouz russe. Plus tard, cela a permis de prendre conscience que l'avance technologique dépasse toujours la sagesse humaine dans son application, une observation qui m'a inévitablement conduit au mythe d'Icare.

Selon la légende grecque, Icare et son père ont été les premiers mortels à voler. Incarcérés en Crète dans le labyrinthe du roi Minos, ils construisirent des ailes de cire et de plumes et volèrent vers la liberté. Cependant, l'excitation de cette découverte a fait croître Icare téméraire, et il a volé trop près du soleil, avec le résultat que la cire a fondu, et il a plongé dans la mer et en est mort.

Mon travail d'orchestre utilise cette légende comme base de sa forme. Sa structure en forme d'arche peut être retracée à l'histoire: ascension du labyrinthe; vol; descente vers la mer. Pour moi, le mythe implique aussi les quatre éléments: terre / labyrinthe, air / vol, feu / soleil, eau / mer - ce qui s'est avéré utile pour déterminer le caractère musical de certaines sections.

Écrite pour un grand orchestre, l'œuvre se déroule en un seul mouvement de vingt minutes qui se divise en trois parties principales. Le premier est dramatique et accumule de l'énergie, aboutissant à une grande libération des tensions - une sorte de «décollage». Cela conduit dans la deuxième section, le corps principal de la pièce, qui maintient une dynamique presque ininterrompue à travers une série de climax. A son apogée, la musique faiblit et s'effondre soudainement.

La section finale lente a été inspirée par l'une des nombreuses conclusions de The Graves Myths de Robert Graves: après la mort d'Icare, son père s'est envolé pour Cumae, près de Naples, où il a consacré ses ailes à Apollo et a commencé une nouvelle vie. Comme il volait vers l'ouest, il aurait survolé la mer dans le soleil couchant - l'image poétique qui se cache derrière les dernières minutes de l'œuvre.

Bien qu'une ancienne légende informe sa structure dramatique, ma principale préoccupation en écrivant The Flight of Icarus était de dire quelque chose sur la pertinence intemporelle de l'histoire: que l'effort humain génère inévitablement une catastrophe. Nous apprenons rarement quoi que ce soit de ces événements, mais essayons simplement de remettre nos vies ensemble et de continuer de notre mieux.

John Pickard





Egalement tirée de l'antiquité, l'oeuvre suivante, le Fuseau de nécessité (The Spindle of Necessity) sur le mythe d'ER de Platon, est un concerto pour trombone, cordes et timbales qui me semble plus abordable, peut-être parce que c'est un long mouvement lent, donc sans cacophonie...

Explications de John Pickard

Le fuseau de la nécessité était un concept inventé par les anciens Grecs. Il a fourni un modèle des fonctionnements de l'univers, avec le soleil, la lune, cinq planètes et les étoiles fixes tournant autour de la terre (qui était alors pensée pour être au centre de l'univers). Le fuseau est décrit en détail dans la partie finale de La République de Platon et c'est de cette description, et des événements qui l'ont précédé, que mon travail prend son inspiration.

On se souvient généralement de la République comme d'une œuvre de philosophie politique, mais dans le dernier de ses dix livres, Platon entre dans le mythe: un soldat grec, tué au combat, revient d'entre les morts et raconte ce qu'il a vu de l'au-delà, le fonctionnement du cosmos. Il parle de deux grands gouffres dans la terre et de deux dans le ciel, à travers lesquels les âmes des morts doivent passer. Les âmes des injustes descendent dans la terre, retournant finalement souillées par la poussière du voyage, tandis que les âmes des justes entrent dans le ciel et en ressortent pures et propres.

Après avoir comparé leurs expériences, les âmes voyagent jusqu'au fuseau de la nécessité, où elles voient les étoiles et les planètes tourner autour d'un "faisceau de lumière qui s'étend d'en haut à travers la terre et le ciel, comme un pilier ressemblant à un arc-en-ciel. ". Les corps célestes sont poussés autour de leurs orbites par les trois Filles de la Nécessité, les Destins. Une sirène se tient au-dessus de chaque cercle ainsi décrit, et comme elle est portée autour elle chante une note de hauteur constante.

Le pitch pour chaque Siren est différent, ce qui fait une échelle musicale. C'est à partir de cette idée que la notion d'Harmonie des Sphères a évolué. Finalement, ayant choisi leur prochaine incarnation mortelle, les âmes boivent du fleuve de l'oubli et reviennent à la vie.

Mon travail est en un mouvement continu d'une vingtaine de minutes et sa forme est déterminée par certains passages clés de la description ci-dessus. Le trombone solo représente le soldat qui témoigne et commente les événements. A l'ouverture, il est entendu au loin - comme s'il était dans l'au-delà - avant de retourner métaphoriquement au monde des vivants et rejoindre l'orchestre sur scène.

Dans la deuxième section, le pas lourd et lent de percussions basses et d'harmonies de cordes denses représente la procession des âmes à travers le monde souterrain et leur émergence éventuelle. En revanche, la section suivante est rapide et athlétique, éclairée par des éclairs de percussions accordées - toutes destinées à évoquer le voyage des âmes à travers le ciel. À son point culminant, la musique s'installe sur une corde massive soutenue, avant de se réduire à une section lente représentant le fuseau de la nécessité même, avec les planètes tournant lentement dans leurs orbites chacune accompagnée de sa sirène. L'harmonie dans cette section est entièrement construite sur les harmoniques naturelles des cordes ouvertes et est soutenue par les sons surnaturels de glissandi joués dans les harmoniques naturelles.

La musique s'éloigne d'où l'on entend le son de trois violons solos, représentant les trois Filles de la Nécessité. Ils finissent par devenir inaudibles et le trombone solo est laissé seul, comme à l'ouverture, bien que maintenant sur scène, parmi les vivants - méditant sur son étrange vision céleste.

Le Spindle of Necessity a été composé pour le tromboniste Mark Eager, et c'est à lui que l'oeuvre est dédiée.

John Pickard

Le troisième morceau, Tir sur la mer est inspiré du poème sur la guerre de Thomas Hardy, Channel Firing qui raconte le réveil des squelettes d'un cimetière à cause du bruit des canons qui tirent en mer dans la Manche (The Channel en version anglaise).

Récit explicatif de John Pickard

Le titre provient d'un poème de Thomas Hardy. Il a été écrit peu avant le début de la Grande Guerre et décrit une scène de nuit dans un cimetière sur la côte sud de l'Angleterre.

Le bruit des coups de feu sépare l'air de la nuit, un son assez fort pour réveiller les morts, ce qui dans le cas présent le fait. Les morts se lèvent en pensant que c'est le dernier jugement. Dieu leur dit que c'est une fausse alerte - seulement le son de la pratique du tir en mer - mais que si c'était l'heure du jugement, les responsables devraient «fouiller le sol de l'enfer pour être si menaçants». Enfin, les morts retournent dans leurs tombes, déplorant la folie de la race humaine, et les bombardements reprennent.

Ma pièce orchestrale est la troisième d'une série de «poèmes symphoniques» (faute d'un meilleur terme) qui sont tous liés à la mer. Dans mon imagination, les deux autres, Sea-Change (1988-89) et The Flight of Icarus (1990), étaient respectivement dépourvus de caractères humains et peuplés de figures mythologiques. Dans Channel Firing, ce paysage terrestre et marin de l'esprit est habité par des personnages trop humains et par conséquent, la plus sombre des trois œuvres.

La pièce est une élégie, soutenue sur une échelle de temps de vingt-cinq minutes. Le fond est celui d'une procession solennelle, dont les progrès sont violemment perturbés au milieu.

La forme se divise fondamentalement en trois parties, lente-rapide-lente, et l'ensemble du travail est hanté par des accords du prélude de l'Acte 2 de Götterdämmerung de Wagner. En outre, le paysage sombre de Tapiola de Sibelius - l'un de mes morceaux préférés s'est avéré être une source d'inspiration puissante pendant la gestation prolongée de l'œuvre.

Il faut souligner qu'il n'y a aucune tentative pour «illustrer» le poème de Hardy. Au lieu de cela, c'est son atmosphère particulière et visionnaire qui a stimulé la musique. Channel Firing est dédié à la mémoire de mon professeur de composition, William Mathias, qui l'a commandé pour le North Wales Music Festival et qui a lu les parties précédentes de l'œuvre en manuscrit.

John Pickard

Ce poème symphonique fantastique me plaît assez

En plus, voilà de la musique qui coïncide sûrement très bien avec ton autre passion. Puis, je crois que je pourrai bientôt ouvrir un cycle sur le thème d'Icare quand je pense au nombre d'oeuvres musicales qui s'y réfèrent.

Surprenant et magnifique  

Mass in Troubled Times: I. Introituss

BBC Singers dirigés par Martyn Brabbins

Surprenant oui, magnifique je sais pas