Jordi Savall, violiste et chef de choeur

Jordi Savall i Bernadet, né le 1er août 1941 à Igualada (Province de Barcelone - Espagne), est un musicien catalan espagnol, violiste et chef de chœur, dont le répertoire s'étend de la musique médiévale à celle du XIXe siècle en passant par la musique de la Renaissance et baroque. Marié à la soprano espagnole Montserrat Figueras en 1968, il est le père d'Arianna et Ferran Savall, tous deux chanteurs et musiciens.

Biographie

Il étudie le violoncelle au conservatoire de Barcelone où il rencontre Montserrat Figueras, sa future femme. Il s'oriente ensuite vers la viole de gambe au cours d'un séjour à Paris où il découvre les manuscrits de Marin Marais à la Bibliothèque nationale. Il contacte alors Wieland Kuijken. Il poursuit alors ses études à la Schola Cantorum de Bâle où il reçoit l'enseignement d'August Wenziger auquel il succèdera. Il y crée l'ensemble Hespèrion XX devenue depuis Hespèrion XXI, avec notamment Hopkinson Smith.

Il dirige plusieurs ensembles de musique historique : Hespèrion XXI, le Concert des Nations et la Capella Reial de Catalunya, parfois aux côtés de son épouse Montserrat Figueras et de sa fille Arianna.

En 1991, sa collaboration avec le réalisateur français Alain Corneau pour le film Tous les matins du monde contribua à remettre au goût du jour la musique baroque et faire connaître au grand public la viole de gambe.

En 1994, il participa également avec ses deux ensembles Hespèrion XXI et la Capella Reial de Catalunya à l'élaboration et à l'interprétation de la Musique médiévale du film Jeanne la Pucelle de Jacques Rivette.

Il a également créé son propre label d'édition musicale Alia Vox en 1997.

Distinctions

Interprète et compositeur réputé, considéré comme un maître de musique baroque, Jordi Savall a reçu de nombreuses distinctions dont :

Officier de l’Ordre des Arts et Lettres (1988)
Creu de Sant Jordi (1990)
Musicien de l’année par Le Monde de la Musique (1992)
Soliste de l’année des Victoires de la Musique (1993)
Médaille d’Or des Beaux Arts (1998)
Membre d’honneur de la Konzerthaus de Vienne (1999)
Docteur Honoris Causa de l’Université Catholique de Louvain (2002)
Victoire de la musique pour l’ensemble de sa carrière (2002)
Médaille d’Or du Parlament de Catalunya (2003)
Prix d’Honneur de la Deutsche Schallplattenkritik (2003)
Ambassadeur européen pour le dialogue interculturel (2007)

Discographie sélective

Jordi Savall a enregistré plus de 120 disques depuis 1968, en tant que soliste ou au sein de formations aussi variées que la Schola Cantorum Basiliensis, l'Ensemble Ricercare etc. Il se consacre également à des études sur la musique ancienne espagnole, dont il s'efforce de ressusciter l'art de l'improvisation et l'instrumentation authentique.

Batalles, Tientos e Passacalles - Joan Cabanilles Hespèrion XXI
Musique originale du film Tous les matins du monde, Valois.
Portraits : J. Savall, M. Figueras, Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya, Le Concert des Nations, Fontalis (Auvidis).
Monteverdi, L'Orfeo / Favola in musica, BBC. (DVD)
Diaspora Sefardi : Romances & Musica Instrumental, Hespérion XXI
Jean-Baptiste Lully : l'Orchestre du Roi Soleil, Le Concert des Nations
Orient-Occident : Musiques d'Orient et d'Occident, Hespèrion XXI, D. El Maloumi
Pièces de viole de Marin Marais et de M. de Sainte-Colombe avec Hespèrion XXI
Cristobàl Colon : Ombres et lumières au temps de Christophe Colomb, La Capella Reial de Catalunya, Hespèrion XXI, M. Figueras
Jérusalem - La ville des deux paix, un superbe livre-album qui retrace 3200 ans d'histoire de la ville sainte en musique.
Francisco Javier - La Route de l'Orient
Istanbul - Dimitrie Cantemir, « Le Livre de la Science de la Musique » et les traditions musicales Sépharades et Arméniennes, Hespèrion XXI et musiciens invités (AliaVox, 2009)

source : wikipedia

sorti le 27 janvier 2009

Pour la genèse de ce projet, il faut remonter à 2007, au moment où nous recevons de la Cité de la Musique la demande de préparer un nouveau projet, (pour avril 2008) autour d’un cycle de concerts sur les trois principales religions monothéistes. Après quelques jours de réflexion, nous avons tout de suite pressenti que la ville de Jérusalem pouvait nous offrir le sujet idéal. Ce sujet permettait de faire une très forte et belle démonstration de la grandeur et de la folie de l’histoire d’une ville, avec toute la problématique d’un lieu qui continue encore aujourd’hui de marquer les limites et les faiblesses de notre civilisation, spécialement avec la recherche d’une paix juste et valable pour tous et avec la difficulté de se mettre d’accord entre orient et occident sur les fondements mêmes de la véritable dimension spirituelle de l’homme. L’évocation de quelques-uns des moments essentiels de l’histoire et de la musique d’une ville comme Jérusalem, avec ses plus de 3000 ans d’existence, semblait à priori un pari démesuré, presque impossible. Car en effet, l’espace d’une édition discographique, même si elle est hors du commun par rapport aux normes habituelles, reste très limité pour un livret de plus de 400 pages traduit en huit langues et deux SACD de 78 minutes.
interview de Jordi Savall sur le site Qobuz

sorti le 27 octobre 2009

Rencontres improbables, mélange des genres et des époques, choc des cultures : le gambiste et chef d'orchestre Jordi Savall nous avait déjà habitués à toutes sortes d'aventures musicales. Avec son nouveau projet, il pousse les barrières et ouvre des horizons inconnus. Istanbul se propose de réinventer la musique ottomane des années 1700... Vaste programme, pour lequel Savall a choisi huit morceaux d'un recueil de l'époque, Le Livre de la science et de la musique. Il a aussi fait appel aux meilleurs spécialistes actuels de cette musique , qui s'expriment en toute liberté. Mêlées de mélodies séfarades et arméniennes, ces improvisations très colorées respirent une vie intense, teintée de douce mélancolie.
présentation sur l'express culture

sorti le 25 janvier 2010

Livre-CD, Le Royaume oublié retrace l’histoire du catharisme, de son apparition au moment de l’essor de l’Occitanie jusqu’à la diaspora catalane cinq siècles plus tard, en passant par la croisade importante contre les Albigeois.

Parmi les projets du musicien : musiques mexicaines et celtiques et un DVD consacré à Marc-Antoine Charpentier.

J'ai écouté de longs extraits des deux dernières parutions, c'est du très beau travail, je trouve mais j'avoue avoir assez bien de mal à écouter longtemps ce répertoire.

Après "La Follia" en 1999 et "Altre Folie" en 2006, voici "Folias Criolas " un voyage baroque en Espagne, au Pérou, au Mexique... Déjà disponible a 7,99€ au lieu de 9 ,99€ en VRAIE qualité CD sur Qobuz.com avec livret numérique.
http://ow.ly/1MxFj

Paru le 25 juin 2010 chez Alia Vox

Dans l’histoire culturelle de la France, la naissance du Concert Spirituel à l’époque de la Régence marqua le début des concerts privés. Nombre d’œuvres, instrumentales ou vocales, naquirent alors dans ce cadre. Ici, Jordi Savall et son Concert des Nations conçoivent un programme purement instrumental confrontant les styles italien (Corelli) et français (Rameau), puis sans doute la synthèse la plus parfaite des deux : la musique de Telemann.

Programme

Arcangello Corelli (1653-1713)
Concerto Grosso, en Re Majeur Op. 6, núm. 4

Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Ouverture avec la Suite en Ré Majeur pour Viola da Gamba et Cordes TWV 55:D6
Concerto en la mineur pour Flauto Dolce, Viola di Gamba, Cordes et Fondamento TWV 52:a1
Ouverture avec la suite en mi mineur, Tafelmusik à deux flûtes et cordes TWV 55:e1

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Les Indes Galantes. Suites des airs à Jouer (Symphonies)

J'ai écouté et j'aime beaucoup !

Bel Canto a écrit:

J'ai écouté et j'aime beaucoup !

En somme, pour le baroque nous avons ce point commun : la musique instrumentale, bien, le chant, bof

joachim a écrit:

Bel Canto a écrit:

J'ai écouté et j'aime beaucoup !

En somme, pour le baroque nous avons ce point commun : la musique instrumentale, bien, le chant, bof

Tout à fait !!! et figure-toi que j'y pensais en l'écoutant ...

Jolie pochette de CD en tout cas

L'origine des Concerts privés, tant en France que dans toute l'Europe, remonte à des temps lointains dès que la musique, dépassant le cadre des églises et des palais, fut aussi programmée dans les maisons particulières et les jardins à l'air libre. C'est à la fin du règne de Louis XIV que ceci commença à se produire à Paris où "rien n'est si à la mode que la musique, passion des honnestes gens et des personnes de qualité" comme l'explique Huber Le Blanc (auteur du fameux pamphlet Défense de la basse de viole, contre les entreprises du violon et les prétensions du violoncelle, publié à Amsterdam, en 1740). Mais c'est durant la Régence que la première série de concerts privés débuta avec les activités du cycle du Concert Spirituel qui ne tarda pas à devenir célèbre. La dénomination de Concert Spirituel provient du fait que ce cycle fut créé afin d'organiser des concerts durant le Carême et les fêtes religieuses catholiques. Ces fêtes duraient environ trente-cinq jours par an pendant lesquels toutes les activités "profanes" étaient paralysées dans les principales institutions musicales et théâtrales, comme l'Opéra de Paris, la Comédie Française et la Comédie Italienne.

Pendant de nombreuses années, ces concerts eurent lieu dans la Salle des Cent-Suisses, une salle magnifiquement décorée du palais des Tuileries. Les concerts commençaient à six heures de l'après-midi et étaient destinés principalement à la grande bourgeoisie, à la petite aristocratie et aux visiteurs étrangers. Les programmes comportaient un mélange d'œuvres chorales spirituelles et d'ouvrages instrumentaux virtuoses de compositeurs français et étrangers, principalement italiens et allemands. Anne Danican Philidor, né à Paris en 1681, fils du bibliothécaire de la musique du roi Louis XIV, inaugura la série de concerts le 18 mars 1725. Le programme de ce premier concert était composé d'une suite des airs de violons de Michel-Richard Delalande, de son grand motet "Confitebor", du Concerto grosso écrit pour la nuit de Noël par Arcangelo Corelli et du second motet à grand chœur "Cantate Domino" de Delalande. Les musiques françaises dominèrent largement le répertoire durant les premières années (avec des œuvres de Couperin, Campra, Delalande, Mondonville, Rebel, Bernier, Gilles, Boismortier, Corrette, Charpentier et Rameau). Mais des musiques instrumentales et vocales d'auteurs italiens, anglais et allemands s'incorporèrent rapidement (comme Corelli, Pergolèse, Vivaldi, Bononcini, Geminiani, Haendel, Telemann, Haydn et Mozart) car elles enthousiasmaient les amateurs et les amoureux des nouvelles musiques.

La première série a été dirigée par une succession de directeurs-impresarios qui payaient une licence pour obtenir le privilège royal leur concédant l'exception au monopole de toute exécution publique de musique, détenu par l'Opéra de Paris (Académie Royale de Musique). Le fondateur et premier directeur fut Anne Danican Philidor, fils du bibliothécaire musical du roi et hautboïste de la Chapelle Royale. Philidor fit faillite deux ans plus tard. Ses successeurs Pierre Simart et Jean-Joseph Mouret (1728-1733) élargirent l'opération avec une série de "concerts français", mais connurent le même triste destin. Comme personne n'était disposé à assumer cette charge, à partir de 1734 et pour les quatorze années suivantes, la série fut administrée par l'Académie Royale de Musique (1734-1748). Durant cette période, on favorisa les œuvres des compositeurs français (en particulier Michel-Richard Delalande, Jean-Joseph Mouret, Jean-Joseph de Mondonville et Jean-Philippe Rameau), mais on y interpréta aussi des œuvres de compositeurs étrangers comme Arcangelo Corelli (1750) et Georg Philipp Telemann (1751). La série finit par être rentable (car l'Académie ne payait pas la licence royale), mais en général elle vécut là une période de stagnation. Deux nouveaux impresarios, Joseph-Nicolas-Pancrace Royer et Gabriel Capperan (1748-1762) acquirent le privilège et décidèrent de faire fortune en re-décorant la salle de concerts et en augmentant le nombre d'interprètes de l'orchestre et du chœur.

De nouvelles œuvres françaises y furent interprétées (de Rameau en 1751) ainsi que des œuvres plus anciennes et les ouvrages des compositeurs les plus connus de l'époque (comme le Stabat Mater de Pergolèse en 1753). On commença aussi à y présenter les chanteurs italiens les plus célèbres. À partir de 1755, on y représenta différents oratorios dont les textes étaient en français – et ils devinrent fameux – alors qu'antérieurement ils étaient interdits pour ne pas faire concurrence à l'Opéra. La série devint vite rentable. En 1762, un fonctionnaire royal influent, Antoine d'Auvergne, obligea la veuve de Royer à abandonner la gestion du Concert Spirituel (son mari étant mort en 1755) pour la prendre en charge avec divers sociétaires jusqu'en 1773. L'intérêt du public augmenta encore avec la création d'un concours de composition de motets, avec l'élargissement de la programmation aux violonistes les plus célèbres du moment et avec leur accord pour inviter aussi des instruments à vent.

En 1777, Joseph Legros prit la direction du Concert Spirituel dont il fut le dernier directeur et le plus brillant. Legros était chanteur vedette à l'Opéra et dirigea le Concert Spirituel jusqu'à sa fermeture en 1790 (donc peu après les débuts de la Révolution Française). Il y attira les artistes les plus célèbres de toute l'Europe. Il renouvela le répertoire en abandonnant les motets du XVIIe siècle et en les remplaçant par des compositions novatrices de Jean Christian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart (La symphonie "Paris" en 1778), Joseph Haydn (dont les symphonies étaient présentes dans presque tous les programmes) ainsi que celles d'autres auteurs comme Gluck, Paisiello, Salieri et Cherubini. Après la Révolution, la tradition du Concert Spirituel fut récupérée sous une forme particulière de concerts qui prit surtout de l'importance dans la première moitié du XIXe siècle.

Le répertoire de ce projet s'inspira des musiques instrumentales pour orchestre de certains compositeurs parmi les plus appréciés par les organisateurs du Concert Spirituel pendant le règne de Louis XVI (1722-1774), plus concrètement entre 1728 et 1768. Durant ces années nous trouvons programmées des œuvres de Corelli (1725, 1748, 1750, 1764 et 1766), de Telemann (1738, 1745 et 1751) et de Rameau (entre 1728 et 1768), parmi bien d'autres.

Une œuvre de Corelli (le Concerto fatto per la notte di Natale) figure au concert inaugural de 1725 et d'autres pièces de lui se retrouvent dans les programmations postérieures, en particulier durant la décennie de 1760. Pour cet enregistrement, nous avons choisi une pièce de l'Opus 6, le Concerto grosso n°4 en Ré majeur, créé dans les années 1680 et connu grâce à sa publication posthume à Amsterdam en 1714, ce qui déclencha son énorme et durable diffusion. Dans ces ouvrages, Corelli fixa le modèle du concerto grosso c'est-à-dire celui du patron d'une opposition entre deux groupes d'instruments à cordes, l'un composé de deux violons et un violoncelle et l'autre plus fourni, à quatre parties, toujours soutenues par un fond de basse continue. En même temps, il utilisait une succession variable de mouvements rapides et lents.

Les compositions de Telemann eurent une présence moins constante au Concert Spirituel et ne dépassèrent pas l'année 1751, même si de nombreux ouvrages restèrent connus des musiciens deux ou trois décennies plus tard et que la majorité des critiques et des théoriciens continuèrent à le considérer comme l'un des meilleurs musiciens. Telemann apporta son énorme contribution à ce que l'on appelle le style allemand, langage contrapuntique mélangeant les styles français, italien (et polonais dans son cas personnel), et ce que l'on connaît sous le nom de style galant, généralement plus léger malgré sa résistance à la simplification harmonique arrivant au milieu du siècle avec le style italien. Le compositeur affirmait qu'il avait "habillé" le style polonais avec une "parure italienne". Les éléments français sont également très fréquents dans son œuvre, tant dans l'orchestration que dans les patrons formels ou dans le fréquent usage d'éléments programmatiques (comme c'est le cas de La Trompette, dans l'ouverture pour viole de gambe). C'est peut-être ce qui explique sa présence continue au Concert Spirituel. Alors qu'il applique strictement dans de nombreux concertos le patron formel de quatre temps lent - rapide - lent - rapide, beaucoup de ses suites peuvent être considérées comme des exemples de ce que le théoricien contemporain Scheibe appela les Concertouvertüren. Il s'agit d'une ouverture de dimensions considérables en relation avec la suite de mouvements de danse qui se continuent ensuite par une orchestration pour divers instruments solistes (souvent deux de tessiture aigue) et accompagnement de cordes et continuo, ce qui est le cas de celles qui figurent au programme de cet enregistrement.

Jean-Philippe Rameau, l'unique compositeur français de cette soirée musicale parisienne imaginaire, présenta son opéra-ballet Les Indes Galantes à l'opéra de Paris en août 1735. À partir de la moitié de la décennie 1750 et durant toute la suivante, Rameau fut programmé fréquemment au Concert Spirituel avec certains de ses motets et ses symphonies ou mouvements instrumentaux des Indes Galantes. Comme beaucoup d'autres œuvres de ce genre scénique typiquement français, Les Indes Galantes sont composées en quatre actes (appelés entrées). Le mot Indes s'emploie comme un terme générique équivalent à "terre exotique", ce qui autorise l'auteur à utiliser des musiques de saveurs différentes, sans pour autant perdre le "goût français". Chaque acte a un nombre déterminé de mouvements instrumentaux qui font office de préludes, interludes, danses, etc. souvent sortis de leur contexte original et qui composent une Suite d'airs à jouer comportant divers mouvements de structure assez libre et généralement intitulés génériquement symphonies.

Cet ensemble d'œuvres constitue un témoignage intéressant d'une authentique Europe Musicale. Celle-ci s'est développée autour de cette formidable caractérisation des différents tempéraments formant Les Nations qui sont mises en évidence au moyen du langage fort et riche des styles nationaux différenciés quoique clairement intégrés dans l'utopique recherche d'une Réunion des goûts, grâce à l'idéal de rapprochement et de synthèse si éloquemment et esthétiquement bien défendu par François Couperin, le Grand.


JORDI SAVALL et JOSEP MARIA VILAR

Sur le site de Alia Vox on peut écouter en surfant sur leur site, les chansons extraites des albums en INTEGRALITE. C'est vachement bien je trouve. Il y a un petit player en bas de page qui permet même de zapper d'une chanson à l'autre.

http://www.jordisavall.es/

J'adore Savall. J'ai découvert la musique baroque et y ai pris gout très jeune grâce à lui vers 6ans (et mes parents qui avaient de bon goûts)
15ans après, j'écoute toujours son travail, je le trouve juste en tout points. Aussi bien "seul" qu'avec Hesperion, grandiose...
Il arrive à rendre aux œuvres qu'il interprète leur grandeur.

Le seul reproche que je pourrais lui faire, qui n'en est pas vraiment un, c'est se participation sur "Tous les matin du monde" qui, je pense, lui a fait plus de tort que de bien en lui collant l'étiquette "Marin Marais - Folia" sur le front pour le grand publique.

Manu404 a écrit:

Le seul reproche que je pourrais lui faire, qui n'en est pas vraiment un, c'est se participation sur "Tous les matin du monde" qui, je pense, lui a fait plus de tort que de bien en lui collant l'étiquette "Marin Marais - Folia" sur le front pour le grand publique.

peut être...mais il n'y a pas que que le grand publique complètement ignare en musique classqiue qui a vu ce film ...et il ne serait sans doute même pas connu de ce "grand publique" s'il ne l'avait pas fait...alors je ne suis pas sur que cette participation lui ait causé un tort quelconque

Jean a écrit:

peut être...mais il n'y a pas que que le grand publique complètement ignare en musique classqiue qui a vu ce film ...et il ne serait sans doute même pas connu de ce "grand publique" s'il ne l'avait pas fait...alors je ne suis pas sur que cette participation lui ait causé un tort quelconque

Je suis démasqué, c'est malheureusement un de mes principaux défauts, j'ai tendance à me montrer un peu (très ?) élitiste sur certains sujets et n'aime pas quand le "sacré" tombe dans le commun et surtout quand il tombe en perdant de son corps :/ Par contre je suis un élitiste ouvert et près a donner les outils a quiconque pour me rejoindre. (très présomptueux je sais, mais je digresse)
Evidement je ne parlais pas des gens ayant eu connaissance de son œuvre avant ce film, mais des gens l'ayant découvert grâce à cela, beaucoup (pour en connaitre un certains nombre) sont resté bloqué sur cela. Mais ce n'est peut être que relatif a ma propre expérience...

Manu404 a écrit:

J'adore Savall. J'ai découvert la musique baroque et y ai pris gout très jeune grâce à lui vers 6ans (et mes parents qui avaient de bon goûts)
15ans après, j'écoute toujours son travail, je le trouve juste en tout points. Aussi bien "seul" qu'avec Hesperion, grandiose...
Il arrive à rendre aux œuvres qu'il interprète leur grandeur.

Le seul reproche que je pourrais lui faire, qui n'en est pas vraiment un, c'est se participation sur "Tous les matin du monde" qui, je pense, lui a fait plus de tort que de bien en lui collant l'étiquette "Marin Marais - Folia" sur le front pour le grand publique.

Tu plaisantes j'espère ? C'est ce film qui a été à l'origine de la carrière internationale que Savall mène actuellement. Chéreau ne lui a fait aucun tort, au contraire, c'est le plus grand service qu'il lui ait rendu

D'ailleurs il passe au Théâtre Auditorium de Poitiers la saison prochaine et je ne manquerai pas de vous en dire deux mots quand j'aurai envoyé mes devoirs

Je viens de découvrir ce morceau que je trouve superbe ...mais bon ,je ne suis pas une spécialiste aussi j'aimerais vos avis...

VIDEO INDISPONIBLE

Pas mal pendant 2 minutes, après ça devient monotone

joachim a écrit:

Pas mal pendant 2 minutes, après ça devient monotone

C'est exactement l'impression que j'ai avec la musique renaissance mais je doute que nous soyons vraiment bon juge !
Ceci dit Jordi Savall est un très bon interprète !

joachim a écrit:

Pas mal pendant 2 minutes, après ça devient monotone

Allez, 3 minutes, qui dit mieux?

Jean à mon avis !

En effet Bel Canto...ton avis étais tout à fait judicieux ...j'ai trouvé ce morceau absolument superbe, surtout après les 2 minutes où rentrent les instruments à cordes ... ...une douceur presque douloureuse , d'une grande nostalgie!

Tourangelle, il n'est pas nécessaire d'être "spécialiste" d'une musique pour l'apprécier ...ou être "spécialiste" dans un sens général pour la trouver ennuyeuse ou pire

Pour Jordi Savall tu peux ajouter aussi "chef d'orchestre"...avant même chef de choeur ; certes un chef d'orchestre qui n'a pas le même répertoire que les chefs d'orchestres symphoniques...Mais il a donné en concert et enregsitré un certain nombre deouvres orchestrales de Bach, Haendel, Vivaldi (dont un opera) il est allé jusqu'à Beethoven dont il a enregistré la 3em symphonie avec une ouverture

Merci beaucoup pour vos avis éclairés !

Jean a écrit:

Tourangelle, il n'est pas nécessaire d'être "spécialiste" d'une musique pour l'apprécier ...ou être "spécialiste" dans un sens général pour la trouver ennuyeuse ou pire

Tourangelle a écrit:

Merci beaucoup pour vos avis éclairés !

Je savais qu'on était des lumières