L'évolution du langage musical

Hello !

Je vais vous parler dans ce post de  l'évolution du langage musical, c'est-à-dire : comment on est passé du chant grégorien médiéval à un opéra baroque, à une sonate de Beethoven au Sacre du printemps de Stravinski ! Même s'il y aura quelques petits parallèles avec l'histoire de la musique, on parlera ici exclusivement du "langage" musical : de l'évolution de l'écriture de la musique, comment, à travers des notions de solfège et d'écriture, on a progressé, changé notre concept de la musique, comment la musique s'est construite au fur à mesure des siècles et des périodes musicales.
Je suis en train de travailler dessus (parmi tant d'autres matières musicales) et je trouve cela très intéressant ! En espérant que vous prendrez plaisir à prendre connaissance de ce sujet, j'essaierai au mieux d'être claire. Ce post parlera de notions complexes mais vous pouvez en tout cas lire toute l'évolution de la musique simplement, sans vous soucier des notions solfégiques plus complexes. Ainsi, il y en aura pour tous les niveaux, ce qui n'empêchera donc pas les amateurs n'ayant aucune notion solfégique de comprendre et de participer. Ca me fait vraiment plaisir de vous partager mon travail, et j'essaye donc que ce soit accessible pour tout le monde.


En route ! Nous allons donc reculer dans le temps et commencer aux prémices de la musique écrite, là où on commençait seulement à "composer" de la musique, dans un but sérieux. On ne parlera donc pas des traditions orales de musiques païennes des trouvères et troubadours, mais on va plus se concentrer sur le début de la musique composée et écrite.

Nous parlerons successivement dans ce topic du passage de la modalité à la tonalité, puis de l'évolution de la pensée harmonique, de la musique après la tonalité, de l'accordage et des tempéraments en fonction des époques, puis de quelques théories modernes et contemporaines sur la tonalité.



I De la modalité à la tonalité

Antiquité et Moyen Âge


Une histoire du langage musical occidental commence traditionnellement à l'antiquité grecque. Les créations des premiers chrétiens apparaissent comme un développement de la musique grecque antique. Or, nous verrons que la musique chrétienne occidentale puise ses influences dans diverses origines.
Cela étant, le grégorien et les premières polyphonies reposent sur un très grand nombre d'acquis antiques : la conception des intervalles, les noms alphabétiques des notes, l'organisation métrique...

des petits rappels
Qu'est-ce que le grégorien ?


C'était principalement la musique antique et moyen âgeuse utilisée dans un contexte religieux où les chanteurs psalmodiaient les textes religieux. Les notes étaient très conjointes et faciles pour que tout le monde puisse chanter ensemble : on mettait en valeur le texte en chantant. La musique grégorienne était alors monodique : une seule voix, sans accompagnement.

On appelle la polyphonie la superposition de plusieurs voix, d'où le terme poly (plusieurs) - phonie (son). Même si au début, au Moyen Âge, la polyphonie n'avait pas la vocation de penser les sons superposés comme des accords, pensés harmoniquement donc, mais plus que plusieurs voix distinctes les unes au dessus des autres, nous verrons que la polyphonie mènera plus tard à l'harmonie, au sens que nous l'entendons aujourd'hui.

Allez, on continue !

Le langage musical écrit commence donc principalement avec les premiers chants chrétiens. Comme la chrétienté était un immense empire au Moyen Âge, les chants venaient de tous les horizons, diverses origines et ont subi d'innombrables influences et transformations. Ainsi sont nés progressivement le chant byzantin, le chant romain, les chants hispaniques, le répertoire gallican, les chants de l'église milanaise...

Face à une telle diversité, le pape Grégoire le Grand, au VIe siècle, inventa l'année liturgique, définit les règles de succession du temps liturgique et consolida les scholae cantorum (écoles de chant), véritables administrations du chant romain. A la suite de sa réforme, l'évolution parallèle du rite occidental, autour de Rome, et du rite d'Orient, autour de Constantinople, avec le chant byzantin, se fixa de façon définitive.
(quand la musique se fait le reflet de la réalité d'une époque ! )

La chant dit grégorien naquit de la relecture franque du chant romain, réalisée par les chantres carolingiens entre le VIIIe et le IXe siècle. Pour asseoir l'autorité de ce chant, ils propagèrent la légende de Saint Grégoire inventant le chant grégorien sous la dictée d'une colombe (esprit saint). Le chant grégorien se répandit rapidement dans tout l'Empire latin.
Les théories modales du chant grégorien naquirent au IXe siècle de la théorie modale byzantine.

pour savoir ce qu'est un mode en musique (essentiel pour comprendre la suite) :




Les modes grégoriens

La musique du Moyen Âge, à partir du VIIIe siècle, utilise un système de huit modes, qui correspondent aux modes naturels des notes ré, mi, fa et sol. (jouer la gamme sur un piano en partant de ré par exemple, sans utiliser la moindre altération, juste jouer les notes blanche de ré jusqu'au ré du dessus, pour entendre le mode de ré. Idem avec les autres notes)
Pour bien comprendre les modes grégoriens, il est judicieux de les penser comme formés d'un groupe de cinq notes (diapente) et d'un groupe de quatre notes (diatessaron).
par exemple : ré, mi, fa, sol, la (groupe de 5 notes) puis la, si, do, ré (groupe de 4).

Chaque mode dispose alors de deux formes :

--> la forme authente : lorsque le diapente est en bas de l'échelle. Ex, pour un mode de ré : ré, mi, fa, sol, la, si, do, ré.
--> la forme plagale : lorsque le diapente est en haut de l'échelle, ex pour un mode de ré : la, si, do, ré, mi, fa, sol, la.

On obtient ainsi huit modes : les 4 notes qui peuvent être soit sous la forme authente, soit sous la forme plagale.

Voilà donc déjà un peu de théorie avec le vocabulaire du Moyen Âge. Voici à partir de quoi on composait à l'époque médiévale !




Les tons psalmodiques

En plus des huit modes existaient déjà les tons psalmodiques : ce sont des systèmes formulaires permettant une récitation chantée des textes des psaumes, en adaptant les notes aux longueurs de chaque verset du texte. Les tons étaient construits autour d'une note : la corde de récitation : THE note principale, encadrée par des formules d'intonation.
L'élement essentiel du rituel chrétien était le chant des psaumes. Il s'agit d'un chant très simples (notes conjointes) destiné à la compréhension du texte.


La révolution de Zarlino

Au milieu de la Renaissance, les compositeurs pratiquent couramment un riche système cadentiel et les deux types fondamentaux du majeur et du mineur. Que manque-t-il donc pour parler de tonalité ?
Il manque : l'accord parfait (une note superposée de sa tierce et sa quinte, ex : do - mi - sol) , la référence à une tonique (la note principale d'une musique, sur laquelle les accords et les autres notes se rapportent), une logique de degrés et l'inscription des tonalités dans le cycle des quintes !

rappel pour les novices en solfège : pour savoir ce qu'est une cadence : https://www.youtube.com/watch?v=q-Ktt_TTboE
et aussi cette vidéo pour savoir ce que ce sont des degrés : https://www.youtube.com/watch?v=kB76nXSnT44

Le compositeur et théoricien Gioseffe Zarlino (1517-1590) est déterminant pour l'émergence progressive du besoin de réunir une note avec sa tierce et sa quinte (ex : do, mi, sol). IL est également indissociable d'une évolution du tempérament. (rappel : les instruments ne sonnaient pas pareil qu'aujourd'hui, les intervalles (espaces entre les notes) n'étaient pas égaux et donc ne sonnaient pas pareil : on parlait donc de tempérament de la musique).

Une autre étape dans la sortie de la musique modale est l'apparition de la basse chiffrée autour de 1600. Vous imaginez bien, plus on avance dans le temps, plus les mélodies osent utiliser de plus en plus de notes, et de plus en plus espacées, plus on souhaite accompagner ces mélodies et oser des "accords" : on invente de nouveaux légos, de nouvelles constructions de sons pour de nouvelles sonorités. Mais ca devient compliquer à comprendre pour un musicien qui n'a pas composé cette musique ! alors on écrit et on simplifie avec quelques codes.
C'est la dernière grande étape avant la théorie de la tonalité formulée par Rameau en 1722 !

Improviser en lisant les parties vocales séparées était devenu trop complexe. Le besoin s'est donc fait sentir de réduire la polyphonie à ses éléments harmoniques essentiels. Sur un instrument polyphonique comme le luth, l'orgue ou le clavecin, il devient alors possible d'improviser un accompagnement en suivant une ligne de basse munie de chiffrages : c'est la basse continue !
Cette basse continue est jouée par deux musiciens : celui qui joue la basse (trop fastache, juste une note après l'autre), jouée par exemple par une viole, et celui qui joue des accords : l'harmonie, joué par exemple par le clavecin.

un petit exemple :




Après la basse continue, si caractéristique de l'époque baroque, c'est l'ère de la tonalité qui se met en place.

Alors, vous avez compris ? et ca vous a plu ?
La prochaine fois, je vous parlerai de l'histoire de la pensée harmonique (encore plus intéressant à mon goût) .

Citation :

Alors, vous avez compris ?

Non

Citation :

et ca vous a plu ?

Oui

Citation :

La prochaine fois, je vous parlerai de l'histoire de la pensée harmonique

Youpie!  

Oh zut ! qu'est ce qui est difficile à comprendre ? Voir si je peux modifier et mieux expliquer !

Je plaisantais! C'est très pédagogique et on comprend très bien ne t'inquiète pas!

Aaaah, génial ! Non mais ca aurait pu ! Surtout pour des gens pas habitués avec le solfège, certaines notions peuvent petre très complexes, c'est mieux d'avoir des bases et connaître quelques concepts musicaux :)

Je suis contente si c'est clair en tout cas. Car pareil, ca demande de retenir quelques mots de vocabulaire de l'époque.

En tout cas, c'est super intéressant je trouve de connaître tout ca. La suite est encore mieux, à mon goût. Je vous partagerai plus tard. Mon chapitre préféré étant l'avènement de la polyphonie et la pensée de l'harmonie.

Pianoline a écrit:

Mon chapitre préféré étant l'avènement de la polyphonie et la pensée de l'harmonie.

Ca ne m'étonne pas car finalement c'est ce qui donne complexité et richesse à la musique

Voici la suite, nouveau chapitre : Histoire de la pensée harmonique

Avant de commencer, un petit rappel sur les intervalles, vous en aurez bien besoin pour comprendre ce cours
https://www.youtube.com/watch?v=wL5ZPkgrHfY
(vous pouvez aussi regarder d'autres vidéos !)


Tout part de la mélodie

Lorsque l'on se penche sur l'origine de l'harmonie, il faut aborder les premiers répertoires polyphoniques à partir du IXe siècle. Ce qui semble évident pour nous aujourd'hui, c'est-à-dire que plusieurs sons simultanés forment un accord, est au contraire totalement étranger à l'époque. On ne superposait pas plusieurs sons en les écoutant verticalement ni pour créer un accord.
Les voix sont composées successivement : voix 1 mélodie principale ou thème connu (ex : au pif, le Dies Irae méga connu du Moyen Âge) puis voix 2... Au XIIIe siècle, on invente le contrepoint toujours dans le cadre polyphonique en ajoutant une 4e voix aux voix préexistantes. Cette élaboration progressive explique l'apparition de nombreuses oeuvres superposant des textes différents voir des langues différentes !

Il n'existe alors qu'une seule contrainte, logique : chaque nouvelle voix que l'on va composer après la 1ère voix doit entretenir de bons rapports d'intervalle avec la voix préexistante. A cette époque, l'harmonie concerne juste les intervalles, et non les accords. On concevait la musique horizontalement.

Naissance de la polyphonie

Les premiers contrepoints (point contre point = note contre note) du rituel chrétien sont improvisés (souvent oralement, rappelez vous ! on ne note pas encore la musique). Dans ces improvisations, une voix provient du répertoire grégorien : c'est la voix principale : voix principalis. L'autre voix est improvisée, c'est la voix "organalis". On nomme ces toutes premières polyphonies à deux des organum. On peut dire qu'il s'agit d'un des premiers genres de l'histoire de la musique !

Pour faire plus simple, imaginez un air extrêmement connu : Au clair de la lune. Une personne chante cet air : vox principalis, et une 2e personne s'amuse à improviser en même temps en chantant des notes qui s'allient bien avec l'air de Au clair de la lune. Et voilà, vous chantez comme au Moyen Âge

L'organum fut le genre polyphonique par excellence du IXe au XIIIe siècle, puis fut ensuite remplacé par le motet (dont on parlera quelques lignes plus tard).
Il faut distinguer trois types d'organum (pour ceux qui ont des notions de solfège ) :

--> lorsqu'il s'agit d'une simple doublure de la voix principale à la quarte ou à la quinte = organum parallèle.
--> quand une voix est composée à l'octave = organum composite
--> quand la 2e voix part de l'unisson (même note) , puis y revient par la suite = organum modifié.

J'ai trouvé un exemple ! Regardez sur la partition : le début du chant est écrit en haut en noires :



devinette alors pour ceuw qui ont compris : de quel type d'organum s'agit-il ?


Bien sûr, entre le IXe siècle et le XIIIe siècle, les lignes mélodiques évoluent, se complexifient. Dans son dernier stade de développement, l'organum est soit orné (et on appelle ca "fleuri" : donc des notes en plus), soit rythmique.
Et on augmente progressivement le nombre de voix, jusqu'à 4 voix au XIIIe siècle.

Dès que la musique a fait entendre des hauteurs simultanées, des dissonances (des tensions, pas des notes qui sonnent faux, je précise ) ont été recherchées pour leurs facultés d'enchaînements avec les consonances, seules autorisées sur les temps forts. A savoir que les notes "consonantes" à l'époque se résumaient à quarte, quinte et octave. Mias il y a beaucoup de débats et de théories sur ce sujet : qu'est-ce qui était consonant à l'époque ? Donc je ne m'avancerai pas davantage.

Dès le XIVe siècle, le contrepoint s'est largement enrichi jusqu'à être très complexe rythmiquement. Aussi, les quintes parallèles (règle d'harmonie interdite de nos jours en cours d'harmonie) sont désormais évitées. Donc quand vous entendez des enchaînements de quinte, vous êtes presque sûrs que la musique date du Moyen Âge ou de la Renaissance.

Vous voulez savoir à quoi ca ressemble ? et ben vous saurez pas parce que j'ai pas trouvé sur youtube c'est ca qui est embêtant malheureusement avec un cours musical juste "écrit".

La caractérisation des fins de phrases mélodiques et des petites respirations conduisit à cette époque à pratiquer, sans le savoir, les premières cadences d'intervalles.

Rappel : qu'est-ce qu'une cadence ? https://www.youtube.com/watch?v=49E9Vb2R8bQ

La cadence, dans la pensée polyphonique renaissante, est l'arrivée sur une consonance parfaite (unisson, octave ou quinte). ex : do-sol, ou do-DO par mouvement contraire. exemple : on était sur ré-si, on arrive sur do-DO. ou bien : ré-fa# et on arrive sur do-sol.

Voici l'apogée de la Renaissance avec un canon à 36 voix : le Deo Gratias d'Ockeghem (très joli, by the way )



Je crois que c'est la musique que je préfère de cette époque, sinon ce me barbe.


C'est tout pour aujourd'hui ! J'espère que ca vous a plu, et que vous avez réussi à comprendre l'essentiel, les grandes lignes

Pianoline a écrit:

Tout part de la mélodie

Toujours la faute des femmes

Sinon je suis étonné que tu n'aies pas pris le Canon de Pachelbel pour illustrer la polyphonie puisque c'est un morceau archi connu. Perso, je trouve que c'est un très bon exemple pour comprendre la polyphonie. Ce qui permettrait en plus d'annoncer le contrepoint (mais pas dans ma figure si possible )

Fauuute !!!

Je n'ai pas pris le canon de Pachelbel car là c'est harmonique . Ici, je parle de polyphonie encore au sens contrapuntique, l'harmonie telle qu'on l'entend n'existait pas encore. Et Pachelbel est un compositeur baroque qui a composé son Canon en prenant volontairement des quartes et des quintes : il a fait une marche harmonique. C'est plus tard, patience !

J'y viendrai au chapitre suivant !

Ok mais là honnêtement, tes explications me semblent vraiment trop techniques pour le commun des mortels.

L'avantage de prendre des morceaux archi connus ça permet de donner une référence à tous et d'expliquer de manière beaucoup plus simple quelque chose de compliqué. T'es trop dans le détail technique qui ne va pas parler à grand monde là à mon avis.

Du coup il serait mieux de faire de la "vulgarisation". Ca passe donc par la simplicité des explications et des exemples, quitte à arrondir un peu les angles.

La pédagogie c'est aussi ça: se faire comprendre si on veut transmettre son savoir.

Ok donc je vais faire simple :


Avant l'harmonie, donc l'art des accords, l'art de mettre des sons ensemble, le début de la polyphonie consistait à composer une 2e voix par dessus une voix préexistante, un air hyper connu de tout le monde issu du répertoire grégorien.

Si je prends Au clair de la lune, je ne touche rien à cette voix principale. Je la garde telle quelle, mon chanteur n°1 chante Au clair de la lune. Puis pour ma 2e voix, je vais improviser sur Au clair de la lune, avec le même rythme, note contre note, en même temps, en chantant généralement à la quarte ou à la quinte (donc soit 4 notes au dessus, soit 5 notes au dessus); Dommage que je ne sois pas avec vous, car en chantant, vous comprendriez direct !

Donc au début, il ne s'agissait que d'une voix principale --> un air connu de tout le monde, avec une 2e voix par dessus, dont les notes collent bien (dans l'oreille d'un moyen âgeux) avec la 1ère voix. MAIS on ne crée encore aucun accord : on parle d'une 2e voix, et pas d'accompagnement.

A la renaissance, ces premières polyphonies datant du moyen âge évoluent (on les appelait "organum") : plus de voix, des petites ornementations (on rajoute quelques ptites notes qui viennent broder les notes de la mélodie principale), et on ajoute du rythme. C'est comme si je reprenais mon Au clair de la lune, que je rajoutais des minies notes entre les notes principales de la mélodie, et que ma 2e voix qui improvise rajoute du rythme, exemple le 2e chanteur swingue et chante en décalé par rapport au premier chanteur qui chante Au clair de la lune normalement.

On conçoit donc la musique très horizontalement : c'est la ligne mélodique qui prime. On veut mettre en valeur le texte chrétien, on veut pouvoir chanter tous ensemble.
A la fin de la Renaissance, on a des musiques très complexes déjà, comme le démontre le Canon d'Ockeghem où la 1ère voix chante un chant principal, court. Et toutes les mesures à peu près, une voix se rajoute et recommence à chanter le début de la chanson.
C'est aussi le même principe de jeu avec la musique de Frère Jacques où chaque chanteur commence à chanter les uns après les autres

Mais dans le Canon d'Ockeghem par exemple, on n'entend pas d'accord : ce ne sont que des voix superposées qui rechantent la 1ère voix, les unes après les autres. Cela crée inévitalement une "harmonie" finalement, car on a plein de sons superposés, mais attention avec ce mot, à l'époque, il n'existait pas. On parle de polyphonie au sens : superposition de voix. --> comprendre des voix indépendantes : des lignes mélodiques qui se superposent, et jamais verticalement pour former des accords.

C'est plus clair comme ca ? ^^

Pianoline a écrit:

C'est plus clair comme ca ? ^^

C'est pas à moi qu'il faut demander, c'est aux autres

ps. C'est con, dans le temps il y avait des petites vidéos toutes simples sur Youtube qui expliquaient bien tout ça. Avec des musiques très connues justement pour que tout le monde ait une référence. Et le minimum d'explications, très simplifiées, pour aller à l'essentiel afin de comprendre les mécanismes du langage musical. Malheureusement je n'en trouve plus.